Thomas Dariel, designer francese di formazione e instancabile viaggiatore, ha fondato il suo studio di interior design, Dariel Studio, all’età di 24 anni, nel 2006 a Shanghai. Nel 2016 ha aperto una seconda sede a Parigi.

Nello stesso anno, pur continuando a lavorare come interior designer, Dariel realizza un sogno d’infanzia lanciando il proprio marchio di mobili, lampade, tappeti e accessori: Maison Dada.

L’originalità delle sue creazioni, la sua personalità e il suo spirito ambizioso lo rendono una figura di spicco: ha ricevuto numerosi premi, tra cui quello di miglior designer d’interni internazionale – agli Andrew Martin Awards 2012, ed è stato selezionato da AD Magazine tra i 100 migliori talenti dell’architettura e del design (2021, 2019, 2017, 2015 e 2013), dai Top 40 Young Design Talents under 40 (2013), dai Perspective 40 Under 40 e dai Top 10 Best Designer in China – Vantage Magazine (2016). Nel 2017, Thomas Dariel è stato eletto “The Young Design Talent of the Year” dagli EDIDA China Awards, “Design Talent of the Year” da Trends e “The Person of the Year” da Trends Home. 

Dal 2020, Thomas Dariel è presidente degli Editeurs Français all’interno dell’Ameublement Français. Questo ruolo gli permette di unire le forze all’interno degli Editeurs e di parlare all’unisono per promuovere al meglio la creatività francese e i suoi talenti.

Nel 2021, il prestigioso Mobilier National ha acquistato le sue creazioni.

All’inizio del 2022 ha ricevuto il premio FRENCH DESIGN 100 consegnato dal presidente Emmanuel Macron, che ha così riconosciuto il suo lavoro e consolidato la sua posizione di leader nel settore francese. 

Grazie alla sua esperienza, nella primavera del 2023 lancerà un nuovo centro di creazione e formazione dedicato alle arti applicate, al design e all’architettura: il Campus Ma.Na in Borgogna.

Sophie Dariel è nata a Parigi. Laureata in comunicazione internazionale presso l’Università Paris X, ha conseguito anche un master in lingua cinese presso l’Università Normale di Shanghai. Ha vissuto e lavorato in Cina dal 2000 al 2016, prima di tornare a Parigi e poi trasferirsi di recente a Venezia, dove vive oggi.

Forte di numerosi anni di esperienza nella gestione di progetti nel settore delle industrie creative, Sophie ha sviluppato il proprio percorso professionale tra Europa, Cina e America Latina. La sua competenza e la sua rete di contatti le hanno permesso di collaborare con figure di spicco del mondo dell’arte e della creatività, tra cui Pearl Lam, che il New York Times ha classificato tra le 100 personalità più influenti dell’arte contemporanea.

Nel corso della sua carriera, Sophie ha lavorato per prestigiose case e istituzioni quali Hermès, Rothschild, Hennessy e Condé Nast, e ha affiancato designer e creatori di fama, tra cui Andrée Putman, Martin Szekely, Mattia Bonetti, Rena Dumas e Thomas Dariel (Dariel Studio).

Artista da sempre, Sophie attinge ispirazione dai suoi viaggi e dal suo mondo familiare. Crea motivi figurativi e astratti destinati alle arti decorative, in cui si intrecciano sensibilità artistica, influenze culturali ed esperienze personali.

Nel 2023, Sophie e suo marito, Thomas Dariel, fondano in Borgogna il Campus MaNa, un centro di formazione professionale dedicato all’arte, all’artigianato artistico, al design e all’architettura, certificato Qualiopi. Concepito come luogo di trasmissione e scambio, il Campus MaNa riunisce professionisti di primo piano provenienti dai settori creativi di tutto il mondo.

Nel 2026, Campus MaNa apre il suo secondo campus a Venezia, sull’isola di San Servolo, affermando così la sua vocazione internazionale e la sua ambizione di creare ponti tra il savoir-faire, la creazione contemporanea e le diverse culture.

Distribuito su otto casali tipici della Puisaye, il sito riunisce una serie di laboratori, dalla tipografia manuale (letterpress) all’incisione
a intaglio, alla litografia e alla digigrafia. Questa complementarità delle
arti artigianali lo rende un luogo di creazione unico in Europa.
Uno spazio di ispirazione, sperimentazione e realizzazione in ampi laboratori. A disposizione degli artisti ci sono bellissime
presse e una collezione eccezionale di diverse tonnellate di caratteri in piombo di tutte le dimensioni.
Il centro accoglie migliaia di appassionati d’arte e artigianato per visite guidate ai laboratori organizzate tutto l’anno.

Visite guidée

Dopo gli studi all’Union centrale des Arts décoratifs, Lison de Caunes si dedica all’arte dell’intarsio in paglia, portando avanti così la tradizione di suo nonno, il decoratore André Groult. Diventata esperta di questa tecnica, fa rivivere queste pratiche poetiche restaurando mobili e oggetti dal XVII secolo fino al periodo Art Déco. Ha organizzato diverse mostre, ha scritto libri sull’intarsio in paglia e partecipa a numerosi eventi per mettere in luce questo materiale umile e lussuoso che, con i suoi riflessi cangianti, illumina anche i mobili più contemporanei. Realizza su commissione mobili, complementi d’arredo e pannelli da parete per arredatori e architetti d’interni. Nel 2015 ha lanciato Lison de Caunes Créations, la sua linea di mobili in intarsio di paglia.

Nathanaël Le Berre ha iniziato i suoi studi artistici alla scuola Olivier de Serres (ENSAAMA) di Parigi nel 1995. Nel 1997 è entrato a far parte del laboratorio di scultura in metallo, dove si è appassionato alla tecnica della lavorazione del rame.

Nel giugno 2014 ha vinto il Premio Liliane Bettencourt per l’Intelligenza della Mano, nella categoria «talento d’eccezione».

Nel 2017 partecipa alla mostra «Wonder Lab, 15 maestri d’arte e artigiani d’arte francesi d’eccezione» al Museo Nazionale di Tokyo in Giappone e poi, l’anno successivo, al Museo Nazionale della Cina a Pechino.

Di recente ha realizzato, insieme allo studio GGSV, l'illuminazione del ristorante “19M” ad Aubervilliers.

Erica Dorn è una grafica che vive a Londra e lavora nel settore del cinema e della televisione da più di 8 anni, con esperienza nella creazione di marchi e identità visive.

Erica Dorn lavora con Wes Anderson sin dal suo film d'animazione "L'isola dei cani » («The French Dispatch», «Asteroid City»…) e cura meticolosamente tutti gli elementi grafici e tipografici dei suoi film: insegne, motivi, caratteri tipografici personalizzati, scenografie, distributori automatici e molto altro ancora, basandosi su una ricerca storica davvero spettacolare.

Dopo un master in conservazione e restauro della ceramica e una formazione in Giappone presso un maestro laccaio, Béatrice Jacotot ha fondato a Parigi la sua azienda, Cérakin, specializzata nel restauro e nel kintsugi. Questa tecnica tradizionale giapponese punta a valorizzare l’oggetto e la sua storia, dandogli la possibilità di continuare a vivere e conferendogli al contempo un nuovo aspetto estetico. Béatrice Jacotot pratica il kintsugi dal 2016 per gli appassionati di tè e ceramica, e lavora anche in collaborazione con ceramisti per creare pezzi originali e unici. Ha iniziato a insegnare la tecnica giapponese del kintsugi nel 2020.

Marie Drouet, che prima faceva l’architetta d’interni, non pensava proprio di dedicarsi a quello che fa adesso. Ma dopo un bel po’ di dubbi e incertezze, questa artista specializzata nell’arte dell’intreccio ha trasformato la sua passione in un lavoro. Parla della sua arte come un’imprenditrice che ha saputo reinventarsi in questo mestiere artistico con grande talento.

Marie Drouet, artigiana specializzata nell'arte della cesteria, fonde l'arte tradizionale dell'intreccio vegetale con un approccio contemporaneo. Dal suo laboratorio nel Val d'Oise, collabora con professionisti del settore del lusso, dell'arredamento e con designer alla ricerca di creazioni che ti rubino il cuore.

Marie usa tecniche tradizionali e rare per creare pezzi unici. Si impegna in un approccio ecologico valorizzando il vimini coltivato in Francia.

Il lavoro delicato di Marie si concretizza in opere, arredi e lampade su misura, realizzati utilizzando anche altri materiali come pelle, corda, tessuto e metallo.

Non esita a fondere diverse competenze attraverso collaborazioni e le sue ricerche personali. Questo lavoro sulla materia dà vita a creazioni organiche.

Ha iniziato il suo apprendistato nel 2014 e ha viaggiato in Francia per diversi anni, dove si è formato in varie aziende, specializzandosi nella falegnameria tradizionale e nel restauro del patrimonio culturale. Nel 2017 è partito per vivere un anno in Giappone. Lavora per l’azienda Roy Mokkou, che realizza un padiglione da tè, e partecipa alla costruzione di un tempio con l’azienda Momoyama. È un mondo nuovo che gli si apre davanti, con nuove essenze di legno, nuovi attrezzi, nuove tecniche e un modo diverso di pensare. Rimarrà profondamente segnato da questa esperienza, che ispirerà a lungo il suo modo di lavorare. Di ritorno in Francia, lavora per i monumenti storici a Troyes e nel 2020 entra all’École Polytechnique di Bari per realizzare un progetto di ricerca di un anno sugli assemblaggi. Studiando le tecniche di costruzione antiche e il design parametrico, crea un gioco di costruzioni ispirato ai giunti a coda di rondine: Gumi. Nel 2021 entra a far parte dell’Istituto europeo di falegnameria, arredamento ed ebanisteria, dove sviluppa nuovi corsi di formazione per i Compagnons du Devoir. Parallelamente, continua a formarsi nel design artigianale presso i Grands Ateliers e all’Art du Trait, diventando formatore per la Scuola di Architettura di Marsiglia. Scrive una tesi sull’apprendimento attraverso il gioco e nel 2022 entra a far parte della Fondazione Coubertin per approfondire la sua cultura artistica, prima di fondare un’azienda specializzata in formazione su misura e creazione di mobili: Menuiserie Kinoko. Continua a viaggiare e a trasmettere la sua passione per la lavorazione del legno, nel rispetto del materiale e di chi lo trasforma. 

Con un diploma professionale in gioventù, educazione popolare
e sport, con specializzazione in educatrice sportiva per attività equestri, Marjane ha
organizzato e condotto attività di animazione e insegnamento per tutti.
Ha collaborato alla gestione di cavalli da competizione di alto livello con
cavalieri nazionali e internazionali prima di entrare a far parte dell’azienda Devoucoux,
specializzata nella progettazione di selle su misura, in qualità di consulente
tecnica.
Dopo dieci anni nel mondo equestre, Marjane è entrata a far parte del sistema scolastico nazionale per
occuparsi dell’accompagnamento didattico ed educativo dei giovani studenti all’interno
di un istituto pubblico locale di istruzione e formazione professionale
agricola, luogo di riflessione e sperimentazione di tecniche e metodi
finalizzati alla resilienza ecologica e che contribuiscono alla riduzione dell’impatto
ambientale dell’attività agricola e alla valorizzazione di nuove filiere
come la bioeconomia.
Marjane è ora responsabile della supervisione e del corretto svolgimento delle
attività del Campus MaNa.

Dopo aver conseguito il Brevetto dei Mestieri d’Arte in Arti e Tecniche dell’Arazzeria a telaio basso e il Diploma Nazionale Superiore di Espressione Plastica, Delphine Mangeret ha aperto nel 2007 il suo laboratorio come colorista e cartonista per gli arazzi di Aubusson.

Nell’ambito dei progetti avviati dalla Cité Internationale de la Tapisserie, come «Aubusson tesse Tolkien», «L’universo di Hayao Miyazaki nell’arazzo di Aubusson» e «Omaggio a George Sand», collabora con artisti, filatori, tintori e tessitori per dare vita a progetti artistici nel campo dell’arazzo.
Il suo lavoro di preparazione di un tessuto comprende la definizione della linea estetica, la scelta dei diversi tipi di filati, la creazione della gamma di colori, il tracciato del cartone e l’instaurazione di una collaborazione armoniosa, creativa e dinamica tra i diversi mestieri coinvolti nella realizzazione di questi arazzi.

Dal 2014, nell’ambito del centro di formazione istituito dalla Cité de la Tapisserie e gestito dal Greta del Limousin, trasmette alle nuove generazioni di tessitori le sue competenze in materia di colori e realizzazione dei cartoni, contribuendo alla conservazione e all’evoluzione di questo savoir-faire tradizionale.

Dopo tre anni di formazione in tessitura a telaio all’École Nationale d’Art Décoratif di Aubusson e due anni come tessitrice nell’Atelier Camille Legoueix ad Aubusson, France-Odile ha aperto il suo atelier nel 1984, dove tesse prototipi basati su creazioni personali, progetti in collaborazione con artisti e realizzazioni per abiti e accessori di moda. Queste molteplici esperienze le permettono di trovare il suo stile personale. Questo lavoro porta alla realizzazione di diversi arazzi in cui mette in risalto la materia e il colore.

Nel 2010, ha avviato una collaborazione con Martine Stamm. Insieme, uniscono le loro esperienze e competenze fondando la SARL Atelier A². Hanno dato prova di queste competenze realizzando numerosi arazzi per artisti contemporanei, sia per la Cité Internationale de la Tapisserie nell'ambito dei bandi di creazione, sia per il CNAP.

Queste sfide artistiche le permettono di esplorare tutte le possibilità del suo mestiere e di essere sempre alla ricerca, sia che si tratti della creazione di motivi tessili che dei materiali.
Nel dicembre 2012, l’atelier ottiene il marchio “Entreprise du Patrimoine Vivant”. Consapevole di ciò che ha imparato dai suoi maestri tessitori, sente il bisogno di trasmettere queste conoscenze. Nel 2004 diventa un centro di formazione e, nel 2012, formatrice alla Cité de la Tapisserie per la formazione professionale in tessitura a telaio, gestita dal GRETA.

Grazie a un’infanzia in cui il pasto era una vera e propria forma d’arte, Marion Graux ha sviluppato una sensibilità unica per la ceramica. Nella sua famiglia, la cucina era il cuore della casa, un luogo di condivisione, di piacere e di educazione. Cucinare non solo permetteva di creare momenti di gioia attorno a tavolate numerose, ma anche di insegnare ai bambini il rispetto per le stagioni e la bellezza della natura. Questa passione per la cucina va di pari passo con una profonda consapevolezza del piacere che può offrire l’arte del buon mangiare.

È con questa filosofia che Marion crea i suoi piatti. Sono parte dell’anima della tavola, invitando ognuno a riflettere sull’armonia tra colori, materiali e sapori. Allestire una tavola, per lei, è come dipingere un quadro: un terreno di gioco dove l’espressione personale prende forma attraverso combinazioni sottili. I suoi oggetti in ceramica arricchiscono questa esperienza, rendendo omaggio a chi si siede a tavola.

Anche se lavora soprattutto su commissione per chef e, a volte, per architetti, il suo atelier è aperto a tutti. I visitatori possono scegliere qualche pezzo unico tra le sue creazioni, o magari portarsi a casa un mazzo di fiori secchi, in omaggio alla storia del posto.

Dopo una carriera nel campo dello styling culinario, Marion si è dedicata completamente alla ceramica nel 2010. Lavora su commissione per ristoranti e collabora con diversi negozi. Le sue creazioni, realizzate in piccole serie, si distinguono per la loro sensibilità, i colori vivaci e la capacità di reinventare le stoviglie di tutti i giorni.

Fondato da Jessica Lambinet, JLA Vitrail è un laboratorio specializzato nella creazione di vetrate artistiche contemporanee e nel restauro di pezzi d’epoca. Le sue realizzazioni, interamente su misura, si adattano al contesto architettonico e all’universo unico di ogni cliente.

Che si tratti di decorazioni murali, schermi artistici o lampade, Jessica eccelle nell'arte di giocare con gli effetti dei materiali, esplorando la profondità e le variazioni di luce dal giorno alla notte. Il suo obiettivo è creare una vera e propria poesia tra luce e vetro, offrendoti ogni giorno un invito al viaggio e allo stupore. Mette in campo la creatività delle vetrate artistiche nei settori dell’ospitalità, del commercio e per i privati, occupandosi anche del restauro di vetrate antiche nel rispetto delle regole dell’arte e dell’opera originale.

Grazie all’esperienza maturata in diversi laboratori specializzati nella conservazione e nel restauro, sia in Francia che all’estero, Jessica possiede le competenze necessarie per garantire la conservazione delle tue vetrate per le generazioni future.

Appassionata del vetro e dell’ambivalenza dei materiali, Jessica Lambinet esprime la sua creatività attraverso la realizzazione di vetrate artistiche. Rielaborando vetri trasparenti (a bolle, striati, artigianali o industriali) con colori ed effetti materici, si concede una grande libertà artistica, dando così vita a magnifiche composizioni visive e sensoriali. Nel suo lavoro, il vetro diventa un vero e proprio partner creativo. Il movimento e la profondità che crea liberandosi dai vincoli strutturali, permettendo al vetro di esprimersi al di fuori delle linee di piombo, creano una bella armonia tra questi due materiali nelle sue vetrate.

Il principio dell’illusione è al centro dell’arte decorativa, e Mathieu Lemarié eccelle proprio in questo campo. Si dedica alla pittura in forme molto varie, che abbracciano sia le arti decorative che i mestieri d’arte: affreschi monumentali, delicate miniature, piastrelle in ceramica smaltata, tele dipinte per l’Opera, suggestivi trompe-l’œil o ancora fedeli riproduzioni per il cinema. Il suo savoir-faire unico lo porta a collaborare con clienti prestigiosi come musei di fama, registi famosi e istituzioni di primo piano.

Contribuisce alla realizzazione delle scenografie di numerose opere liriche in luoghi iconici come l’Opéra di Parigi, Versailles o ancora Rouen. Il suo talento è richiesto anche da figure di spicco del mondo dell’arte come Ariane Mnouchkine, Zingaro o il Cirque du Soleil, per i quali progetta scenografie spettacolari.

Il cinema è stato il suo primo campo d’azione appena finito gli studi, dove ha partecipato alla realizzazione di affreschi per il film «Vatel». In seguito, ha collaborato con registi come Jean-Pierre Jeunet, Roman Polanski, Alain Chabat, Éric Rohmer e Woody Allen, per il quale ha dipinto, tra l’altro, un falso Picasso.

Noto per la sua competenza nel campo delle arti applicate, Mathieu Lemarié si occupa anche di scenografia museale e progettazione di vetrine. Dal 2019, l’agenzia di design GGSV si affida a lui per vari progetti di grande portata, in particolare alla Villa Medici, dove la sua arte e il suo savoir-faire continuano ad affascinare.

Da 40 anni, l’opera di Martine Rey, in continuo movimento, esplora lo spazio-tempo attraverso la lacca urushi e la malinconia degli oggetti, così cara alla cultura giapponese: il “mono no aware”. 

L'artista si confronta così con un materiale la cui tecnica di applicazione si ricollega al suo percorso personale e artistico, fatto di pazienza e delicatezza. 

« Creo oggetti che permettono di instaurare un legame affettivo, se non addirittura intimo, tra te e l’oggetto, alla ricerca incessante dell’oggetto perduto e/o di quello che manca, da sempre. » 

Martine Rey, artista specializzata nella lacca vegetale urushi, ha scoperto questa tecnica ancestrale 40 anni fa durante i suoi studi all’Università delle Belle Arti di Kyoto, in Giappone, dove è stata formata dal maestro Shinkai. Questo viaggio di formazione ha influenzato profondamente il suo percorso artistico, rivelandole un legame intimo con la cultura giapponese. Da allora, non ha mai smesso di reinventare questo materiale vivo nelle sue opere.  

Dopo aver studiato "laccatura europea" alla Scuola Superiore di Arti Applicate di Parigi, si è trasferita a Voiron, dove vive e lavora ancora oggi. Nel 1980 ha fondato l’associazione LAC (Laqueurs Associés pour la Création) e, tra il 2002 e il 2009, ha insegnato la tecnica della lacca vegetale all’École Nationale Supérieure des Arts Appliqués et Métiers d’Art di Parigi. Le sue opere sono esposte in Francia e all’estero, ed è stata selezionata più volte per la Triennale di Ishikawa. È stata inoltre invitata al Simposio del World Urushi Culture Council a Tokyo e alla Fiera Internazionale della Laccatura e del Design Pittorico a Ishikawa. 

Lungi dal limitarsi alla decorazione degli oggetti, Martine Rey usa l’urushi per trasformare oggetti comuni in reliquie o talismani, rivelandone la storia e l’essenza nascosta. Il suo approccio è caratterizzato da un legame intimo con il Giappone e la sua estetica, in particolare la «malinconia struggente delle cose» (Mono no aware). La sua creazione affonda le radici in una ricerca della bellezza silenziosa, dove la lentezza e la meticolosità della tecnica della lacca segnano lo scorrere del tempo, rendendo ogni gesto portatore di memoria e sensibilità. Da 40 anni esplora questo spazio-tempo, conferendo alla lacca urushi tutta la sua profondità e preziosità. 

Martine Rey crea così uno spazio condiviso di scoperte e intimità, un luogo dove si intrecciano ricordi e gesti. Questo spazio si dispiega attraverso i molteplici strati di lacca, simili a palinsesti (manoscritti realizzati su pergamene riutilizzate dopo la cancellazione di scritti precedenti), profondamente sepolti. La lacca funge qui da testimone del tempo che scorre, collegando il presente alla memoria. 

Martine Rey è rappresentata dalla Galleria Sinople. Ex residente della Villa Kujoyama, ci tiene particolarmente a tramandare la sua arte. Ha una vera passione per la lacca Urushi. 

Insegna il kintsugi, l’arte di riparare le ferite, sia in senso letterale che figurato, usando tecniche secolari.  

La cera come linguaggio sensoriale

Da oltre vent’anni, Mona Oren sviluppa un’opera scultorea unica, radicata nella materia, nel gesto e nel tempo. Anche se il suo lavoro attinge spesso al disegno, alla fotografia, al video o alle installazioni, è proprio la scultura – e più precisamente la scultura in cera – a costituirne il fulcro.

A differenza della tradizione, che considera la cera un mezzo transitorio, preparatorio alla fusione del bronzo, Mona Oren ne fa un materiale finale, un linguaggio artistico a sé stante, di estrema delicatezza. Sceglie questo materiale per la sua dimensione organica, sensuale, vulnerabile e per la sua capacità di incarnare l’impermanenza: la cera si scioglie, si trasforma, si patina col tempo, ma conserva sempre la traccia del gesto e dell’emozione.

Nata da una miscela delicata di cere animali, vegetali e minerali, lavorata secondo tecniche che ha perfezionato a lungo, la cera diventa tra le sue mani pelle, fiore, respiro, memoria. Ogni opera è realizzata con strati sottilissimi, partendo da stampi in silicone, gesso o resina, fino a raggiungere spessori infinitesimali, a volte di appena uno o due millimetri. Il risultato: forme essenziali, quasi traslucide, che catturano la luce e lo sguardo in un gioco costante tra forza e fragilità.

Vincitrice del Premio Liliane Bettencourt per l’intelligenza della mano® nel 2018, Mona Oren si afferma come un’artista contemporanea specializzata nella lavorazione della cera, a cavallo tra arte, artigianato e ricerca. Da diversi anni conduce un’approfondita ricerca sulla cera bianca, con un’esigenza di precisione e un’attenzione quasi alchemica alle reazioni della materia. Questo lavoro di approfondimento l’ha portata di recente in Giappone, durante le residenze alla Villa Kujoyama nel 2022 e poi nel 2025, dove ha scoperto la cera vegetale Hazé ricavata dagli alberi da sego. Affascinata dalla sua delicatezza e dalle affinità tra i gesti artigianali giapponesi e la sua pratica, oggi continua lì una nuova fase di ricerca, integrando anche altri materiali come la cera di riso, la carta Washi o l’inchiostro Sumi.

Nel corso degli anni, il suo lavoro si è evoluto da un’ispirazione inizialmente alimentata dalla natura e dal mondo vegetale verso un’espressione più astratta e introspettiva, in cui si intrecciano simbolismo, discrezione, sensualità e umorismo sottile. Ogni opera diventa un frammento di storia, una traccia sensibile dell’effimero, che l’artista inserisce in installazioni, fotografie o video, giocando con i cambiamenti di scala e di temporalità.

Il suo lavoro è stato esposto in numerose mostre, sia in Francia che all’estero. Collabora inoltre con case di lusso come Guerlain, Dior e Chaumet, e porta avanti un’attività di trasmissione del sapere, che per lei è fondamentale: forma apprendisti nel suo atelier, insegna agli Ateliers Terre & Feu a Parigi e tiene regolarmente workshop in scuole e istituzioni prestigiose.

Con un’opera al tempo stesso impegnativa e poetica, Mona Oren scolpisce la cera come si scrive una poesia: a strati sottili, tra silenzi e luci. Esplora la tensione tra ciò che svanisce e ciò che rimane, trasformando questa materia instabile in un vero e proprio mezzo espressivo della memoria, dei sensi e della vita.

Lydia, cofondatrice dello Studio Ler insieme a Jessica Richard, è sempre stata guidata da una profonda passione per la creazione. Il disegno, in particolare, occupa un posto centrale nel suo percorso e ha fortemente influenzato la sua carriera professionale. Dopo sette anni di studi in design, arricchiti da esperienze al fianco di figure di spicco come Mathieu Lehanneur o Pierre Favresse, ha lavorato come freelance prima di entrare in Ikea, dove ha lavorato per sei anni come architetto d'interni su vari progetti di arredamento.

Nel 2015 ha fondato lo Studio Ler insieme al marito Renato, scalpellino. Entrambi scoprono così il mondo della pietra lavica e della sua smaltatura, un materiale dalle rare qualità estetiche e tecniche. Desiderosi di perfezionarsi, si trasferiscono in Alvernia e studiano alla Scuola di Architettura di Volvic. Lì sviluppano un linguaggio artistico unico, basato sul colore, la materia e la sperimentazione.

La scomparsa di Renato nel 2018 ha sconvolto profondamente questa avventura condivisa. Lei ha comunque deciso di portare avanti da sola lo sviluppo dello studio, spinta da una rinnovata energia creativa e dalla volontà di onorare la loro visione iniziale. Ha quindi trasferito l'atelier in Bretagna, a Saint-Nicolas-du-Pélem, in uno spazio più ampio, ideale per la creazione, la trasmissione e l'innovazione.

Lo Studio Ler diventa un vero e proprio laboratorio di smaltatura su lava, pur conservando una doppia identità artigianale e di design. Questa particolarità permette di affrontare ogni progetto nella sua totalità, dalla materia prima alla concezione formale, coniugando il savoir-faire tradizionale con uno sguardo contemporaneo. Il laboratorio sviluppa pezzi radicati nella ricerca dell’intramontabilità, dove la maestria tecnica dialoga con una spiccata sensibilità artistica.

Marie-Anne Thieffry è un'artista plastica nata nel 1964 in Normandia. Dopo una prima carriera di oltre 25 anni come direttrice artistica nel mondo della pubblicità, nel 2005 ha deciso di dedicarsi completamente alla creazione manuale, aprendo il proprio laboratorio.
Laureata all’ESAG-Penninghen e all’ENSAAMA-Olivier de Serres in architettura d’interni, oggi mette la sua maestria al servizio di un materiale che reinventa con poesia: il cartone riciclato. Attraverso una tecnica unica, che lei chiama «pizzo di cartone», esplora le potenzialità espressive di questo materiale umile, che ritaglia, accartoccia, intreccia o incolla per creare sculture e lampade caratterizzate da leggerezza e raffinatezza.
Sensibile alle tematiche ecologiche, il suo lavoro si inserisce in un percorso di rivalutazione dei materiali trascurati, in cui ogni opera mette in discussione il nostro rapporto con la materia, il gesto e la luce. Ispirata da architetti come Frank Gehry o Shigeru Ban, unisce rigore tecnico, creatività e trasmissione.
Vincitrice del Premio del Pubblico alla Triennale Internazionale della Carta nel 2017 e del Premio Europeo delle Arti Applicate nel 2022, Marie-Anne Thieffry è sostenuta anche dalla Fondazione Rémy Cointreau, che ha contribuito all’acquisto delle attrezzature essenziali per il suo laboratorio.

Un'artista tra materia, memoria e movimento.

Nata a Mosca, Katia Terpigoreva ha iniziato la sua carriera nel giornalismo, muovendosi per quasi vent’anni nel mondo del design, dell’architettura e dell’arte contemporanea. Ma a 35 anni ha scelto una strada completamente diversa: quella della creazione plastica. Dopo un periodo in Italia, si trasferisce nell’Aveyron, dove vive e lavora dal 2010.
Artista autodidatta, Katia sviluppa una pratica libera e organica, che sfugge ai canoni accademici. Il suo approccio si inserisce in un’esplorazione sensoriale dei materiali – porcellana, gres, lana, tessuto, cemento o anche legno bruciato – che lei assembla, trasforma e reinterpreta. Predilige gesti lenti, ripetitivi, vicini all’artigianato, e lascia che i processi naturali (essiccazione, cottura, tensione delle fibre…) contribuiscano alla forma finale dell’opera.
Le sue creazioni evocano tanto il vegetale quanto il minerale, a metà strada tra reperti archeologici immaginari e oggetti rituali. Richiamano un’estetica al tempo stesso primitiva e contemporanea, influenzata dal minimalismo, dall’anti-design italiano, dall’architettura brutalista, ma anche dalle forme silenziose della natura. Nel suo lavoro si ritrova una tensione costante tra fragilità e resistenza, tra il vuoto e la materia.
Parallelamente alla sua pratica artistica, Katia Terpigoreva collabora con l’Atelier Blanc (Villefranche-de-Rouergue), dove ha presentato diverse installazioni, tra cui la straordinaria Sans souci, composta da centinaia di fiori in porcellana sospesi nei giardini del centro d’arte.
« «Sono una ragazza senza radici», confida. Cosmopolita, libera, costruisce un’opera poetica e impegnata, guidata da un desiderio semplice ma essenziale: rendere il mondo più bello.

Artigiano d’arte, artigiano del rame e designer da oltre vent’anni, Wilfrid Jolly esplora le potenzialità espressive del metallo attraverso la lavorazione del rame, la scultura e l’arredamento d’autore. Dopo essersi formato sulle tecniche del rame e dell’ottone all’École supérieure des arts appliqués Olivier de Serres, oggi insegna proprio lì, mantenendo vivo il legame tra la trasmissione del sapere e la pratica artistica.
Con sede nel Tarn, sviluppa un’opera singolare che unisce il savoir-faire tradizionale alla ricerca formale contemporanea. Collabora regolarmente con designer, musei e istituzioni che si occupano di patrimonio culturale, pur portando avanti un percorso personale sensibile ed esigente. Vincitore del premio della Fondazione Rémy Cointreau, che sostiene gli artigiani d’eccezione, incarna una visione impegnata e poetica della lavorazione del metallo.
Il suo lavoro si distingue per una particolare attenzione al gesto, al ritmo della martellatura, al “respiro” del metallo, cercando di rivelare la vita interiore della materia. Wilfrid Jolly trasmette con generosità le sue tecniche e la sua filosofia del fare, dove l’intelligenza della mano si unisce alla poesia del materiale.
Al Campus MaNa propone un approccio vivace e rigoroso alla lavorazione del rame, basato sull’osservazione, la sperimentazione e l’ascolto del gesto.

Samuel Latour è uno scultore che vive e lavora a Rabastens, vicino a Tolosa.
Si è diplomato all’École Boulle di Parigi e si è specializzato nella lavorazione artistica al tornio, in particolare su legno e bronzo. Ha poi arricchito la sua pratica collaborando con designer, artigiani e artisti all’interno di laboratori e fonderie d’arte.
Il suo lavoro crea un legame intimo con la materia. Che si tratti di legno, bronzo, acciaio o gesso, Samuel Latour unisce una tecnica rigorosa a un’intuizione sensibile. Con gesti precisi – tornitura, fusione, cesellatura – esplora l’equilibrio tra linee fluide e forme strutturate, tra stabilità e movimento.
Le sue sculture si concepiscono come volumi da scrivere, portatori di un linguaggio astratto fatto di tracciati, gesti sospesi e geometrie abbozzate. Ogni opera lascia intravedere le tracce della sua realizzazione, unendo rigore formale e vitalità del gesto.
Nel suo studio sulle rive del Tarn, sviluppa un approccio in cui la scultura diventa uno spazio di ricerca plastica e un prolungamento del corpo in movimento.

Il suo lavoro è stato sostenuto dalla Fondazione Rémy Cointreau ed è presente nella Homo Faber Guide della Michelangelo Foundation, che valorizza l’eccellenza dei mestieri d’arte e del savoir-faire contemporaneo.

Sophie Manessiez, artista franco-canadese, vive e lavora in Québec. Dopo aver studiato arti visive e comunicazione, ha iniziato la sua carriera nel settore degli eventi prima di dedicarsi completamente alla ceramica nel 2007. Nel corso degli anni si è formata in vari laboratori in Francia e in Québec, e nel 2021 ha conseguito un diploma in tecniche delle arti applicate – ceramica a Montréal.
Il suo lavoro esplora le tensioni tra uniformità e singolarità, tra la fragilità del vivente e la forza dei legami. Attraverso installazioni composte da moduli in porcellana, costruisce reti sensibili in cui ogni elemento afferma la propria identità pur facendo parte di un insieme coerente. Ispirata dai gesti delle arti tessili, infonde alla porcellana – materiale al tempo stesso flessibile, rigido, leggero e fragile – una nuova fluidità.
Le sue opere richiamano la materia, la luce e la memoria: la materia come linguaggio, la luce come rivelatrice di delicatezza, la memoria come traccia dei gesti, dei legami e delle interconnessioni del vivente.
Con mostre in Canada, negli Stati Uniti e in Francia, e membro attivo del Conseil des métiers d’art du Québec, Sophie Manessiez porta avanti una ricerca artistica al tempo stesso personale, collettiva e profondamente poetica.

Maestro vetraio e fondatore dello Studio Vitrail Bianconi

Bryce Bianconi, appassionato maestro vetraio e fondatore dello Studio Vitrail Bianconi, porta avanti un’arte artigianale d’eccezione, dove il savoir-faire ancestrale e la creazione contemporanea si fondono. Da oltre 20 anni lavora a Parigi e nell’Île-de-France per preservare la bellezza del patrimonio vetrario, reinventando al contempo quest’arte attraverso composizioni moderne e su misura.

Insieme al suo team, Bryce dedica gran parte del suo lavoro alla manutenzione e al restauro di vetrate antiche, che si tratti di edifici religiosi, monumenti storici o interni privati. Ogni opera, delicata e ricca di storia, viene trattata con meticolosa attenzione, nel rispetto delle tecniche tradizionali: pittura su vetro, sostituzione della rete di piombo, installazione di doppi vetri… Gli interventi sono personalizzati e vengono effettuati sia in loco con la tecnica del “repiquage”, sia in laboratorio, per garantire un restauro completo e duraturo.

Ma lo Studio Vitrail Bianconi non si limita alla conservazione: reinventa la vetrata come arte viva, creando opere contemporanee che giocano sull’opacità, la trasparenza, i materiali e i colori. Bryce ama particolarmente i disegni geometrici e le sottili armonie di tonalità raffinate, ideate in stretta collaborazione con architetti e arredatori. Per lui, la vetrata è prima di tutto un dialogo tra luce e spazio, che esalta i volumi e trasforma l’atmosfera degli interni.

Fedeli ai valori di autenticità, nobiltà e precisione, Bryce e il suo team si dimostrano sempre reattivi ed entusiasti, pronti ad affrontare i progetti più impegnativi con una professionalità riconosciuta, sia per i privati che per le aziende.

Le mani nella porcellana, il cuore tra due culture
Originaria del Giappone, Yuko Kuramatsu si è stabilita da diversi anni nella regione di Poitiers, dove ha trovato un nuovo punto d’ancoraggio, ideale per la creazione.

Fin da bambina ha coltivato una vera passione per i lavori manuali. Sua madre l'ha avvicinata molto presto all'arte della ceramica, portandola alla scoperta di oggetti provenienti da diverse regioni del Giappone. Da questa curiosità è nato un desiderio profondo: non solo ammirare, ma creare con le proprie mani.

La vera svolta arriva nel 2012, quando incontra la ceramista Dany Souriau. Questo incontro segna l'inizio di un percorso artistico e l'ingresso nel mondo dell'argilla. Durante la formazione professionale nell'atelier di Dany, Yuko scopre i gesti del mestiere, sperimenta diverse tecniche e si appassiona alla tornitura, una pratica che richiede al tempo stesso rigore e sensibilità.

A poco a poco, si è orientata verso un materiale che la colpisce particolarmente: la porcellana. Si è appassionata alla tecnica del nerikomi, che consiste nel mescolare diverse argille colorate per creare motivi nella massa. Una tecnica raffinata e complessa, che richiama le sue radici giapponesi e il suo gusto per un’estetica sobria e delicata.

Le sue ispirazioni trovano eco nel lavoro di artigiani come Eiji Murofushi o Mika Sato, di cui segue con attenzione il percorso. A sua volta, inizia a creare oggetti in porcellana secondo questo metodo, sviluppando uno stile personale, a metà strada tra il gesto e il dettaglio.

Grazie a Dany Souriau, ha conosciuto anche la ceramista Florence Beudin Lesaint. Tra le tre donne si è creata una bella intesa, e si ritrovano regolarmente per scambiarsi idee, sperimentare e far evolvere la loro pratica comune.

Oggi, Yuko Kuramatsu crea un universo delicato e raffinato, che rispecchia il suo percorso tra Giappone e Francia, tra memoria e creazione. Radicata nel suo nuovo ambiente pur rimanendo fedele alle sue origini, dà vita a un’opera che parla al tempo stesso di trasmissione, trasformazione e bellezza silenziosa.

Dopo essersi diplomata al corso di cesellatura dell’École Boulle di Parigi, Kim Jude ha affinato la sua maestria lavorando con rinomati artigiani, sia in Francia che all’estero. Nel 2019 ha aperto il suo laboratorio, dove unisce con eleganza il mondo dei gioielli, dell’illuminazione e dell’arredamento.

Il suo lavoro trae ispirazione da molteplici influenze, fondendo storia e natura. Il suo stile oscilla tra la purezza geometrica dell’Art Déco e le forme organiche, come i petali dei fiori o le ali delle farfalle. Attraverso una vasta gamma di oggetti, dal lampadario all’orecchino, abbina con maestria l’ottone finemente cesellato al vetro soffiato, dando vita a pezzi al tempo stesso preziosi e poetici.

Maxime Perrolle nutre da sempre un grande fascino per il mondo vegetale, e in particolare per gli alberi, veri e propri testimoni del tempo e della natura. Questa passione lo ha portato naturalmente a lavorare il legno, un materiale vivo che lui modella con una maestria rara.

Dopo essersi formato nell’ebanisteria e poi nella tornitura artistica alla scuola di Escoulen, uno dei centri di riferimento a livello mondiale in questo campo, ha aperto il suo primo laboratorio a Ivry-sur-Seine prima di entrare, nel 2022, il prestigioso JAD (Jardins des Métiers d’Art et du Design) a Sèvres. Lì dà vita a creazioni contemporanee in cui tradizioni secolari e audacia moderna si fondono.

Tra tornitura, intaglio, bruciatura e delicate patine naturali, Maxime lavora il legno con una precisione e una sensibilità che vanno oltre la materia stessa. Le sue opere, spesso di formato medio o grande, evocano sia la fragilità che la forza degli alberi, giocando con la luce, le texture e le forme, traendo ispirazione dalla natura e dalla raffinatezza della ceramica giapponese.

Insignito di premi prestigiosi (Premio per i Giovani Artisti dell’Artigianato d’Arte nel 2019, Fondazione Rémy Cointreau nel 2023) ed esposto nelle più importanti fiere internazionali come la Biennale Révélations al Grand Palais o la Milano Design Week, è considerato uno dei talenti più promettenti nel campo della tornitura artistica contemporanea. Le sue opere conquistano sia le gallerie che le grandi case di lusso, come Cartier.

Oltre alla creazione, Maxime si dedica con passione alla trasmissione del mestiere, convinto che la ricchezza di questo mestiere stia proprio nella condivisione e nella continuità.
Scolpendo ogni pezzo, rende omaggio all’albero, regalando a quest’ultimo una seconda vita in cui la tradizione dialoga con l’innovazione, in un equilibrio sottile e poetico.

Mayeul Gauvin è una pittrice-matericista e crea decorazioni su misura, ispirate da un profondo rispetto per l’artigianato e la narrazione. Dopo aver studiato storia dell’arte e letteratura, si è dedicata alla pittura decorativa, dove ha sviluppato un approccio unico che unisce tecniche tradizionali e ricerche contemporanee. Il suo lavoro ruota attorno ai materiali, alle trame e agli effetti di superficie, in particolare grazie alla creazione della sua ricetta personale per il cartone-pietra. Ispirata dalle trame naturali, dai motivi tessili e dalla storia dell’arte, affronta ogni progetto come una narrazione in situ, pensata in dialogo con lo spazio. Il suo lavoro, al tempo stesso ricco dal punto di vista visivo e sensoriale, si inserisce in un approccio attento all’impatto ambientale della creazione artistica.

Jérôme Clochard vive nel Finistère e continua a fare ricerca sia in Francia che all'estero, affermando, opera dopo opera, il suo posto unico nel panorama del mosaico contemporaneo. Dopo aver iniziato come sommozzatore nella Difesa, nel 2001 ha imparato l'arte del mosaico da maestri della scuola di Ravenna, per poi fondare nel 2005 il suo laboratorio Absolut Mosaïque, che unisce creazione contemporanea, decorazione e restauro del patrimonio. Collabora con grandi nomi come Vinci o Eiffage, lavorando su siti emblematici come la facciata del Printemps Haussmann, i mosaici dell'Opéra Comique e la pavimentazione dell'Opéra Garnier, il cui restauro gli è valso il premio Geste d'Or nel 2016, che ha vinto di nuovo nel 2017 per il suo lavoro sulla carrozza Phoenix del treno Belmond British Pullman. La sua collaborazione con il gruppo Belmond/LVMH continua nel 2019 con la realizzazione di sei decorazioni per il mitico Venise Simplon-Orient-Express (V.S.O.E.). Nello stesso anno viene premiato da Ateliers d'Art de France, che pubblica la monografia Fragments d'Émotions, e riceve il premio Métiers d'art et Patrimoine bâti. Artista impegnato, nel 2015 partecipa alla COP 21 con l'installazione Atlantes presentata all'Aquarium tropical di Parigi, che evoca il fragile equilibrio tra natura e umanità.

Il suo lavoro, che prende un sacco dall'espressionismo astratto e dalla filosofia giapponese del wabi-sabi, esplora il ritmo interiore, la luce e i movimenti sottili delle tessere, mescolando mosaico, pittura e scultura in una ricerca contemplativa.

Nato nel 1977 a Biella, in Piemonte, Simone Desirò è cresciuto fin da bambino nel mondo dell’arredamento, ispirato dal nonno materno e dal padre, entrambi arredatori. Una volta terminati gli studi, entra a far parte dell'azienda di famiglia, dove affina il suo gusto per l'artigianato decorativo.
Completa poi la sua formazione con corsi specializzati in doratura, pittura di finto marmo, finto legno e finte modanature, prima di scoprire nel 2005 la tecnica della scagliola all’interno dell’Associazione del Marmo Artificiale di Rima. Allievo del maestro Silvio Dellavedova, ultimo custode di questa tradizione piemontese, Simone Desirò fa propria e rivisita questa antica arte.

Nel 2016, la sua vittoria in un concorso regionale ha segnato una svolta: ha portato la scagliola nel mondo del design da collezione, reinterpretandola in chiave contemporanea. Da allora, le sue collaborazioni con designer, gallerie internazionali e grandi case di alta moda gli hanno permesso di creare pezzi unici, consolidando la sua reputazione come uno degli artigiani più straordinari nel rinnovamento e nella rivisitazione di questa tecnica ancestrale.

Dopo un master in pittura alla Scuola di Arti Decorative di Strasburgo, Pierre-Yves Morel decide di approfondire le sue competenze. Entra alla mitica Scuola Van der Kelen di Bruxelles, dove si forma alla pittura decorativa nella sua forma più rigorosa e virtuosistica. In poco tempo mette in pratica questo savoir-faire: restauro di monumenti civili e religiosi, scenografie per il teatro e il cinema… Accumula esperienze, affina la sua tecnica e amplia il suo repertorio di materiali.

Alla fine del 2018, le sue imitazioni del marmo iniziano a diffondersi e attirano l’attenzione della designer Nel Verbeke. La collaborazione che ne segue per Schloss Hollenegg for Design, quattro nicchie dipinte con finto marmo per il progetto “Architecture of a Tea Ceremony”, segna una prima svolta. Qualche mese dopo, grazie all’interior designer Christophe Gollut, entra a far parte di un’azienda londinese dove si dedica intensamente alla riproduzione del marmo e del legno. A Londra, si susseguono i progetti di interior design con figure di spicco del design come Ben Pentreath, Rose Uniacke, Tomasz Starzewsky, Steven Rodel o Guy Goodfellow. Durante la pandemia, ha spinto ancora più in là la sperimentazione, trasferendo i suoi marmi su vetro egloisato, riprendendo una tecnica antica che ha saputo attualizzare.

Nel 2020, Emilieu Studio e l’École Camondo gli hanno affidato la realizzazione di una collezione di armadietti ispirati ai marmi del sud della Francia per il nuovo campus di Tolone. Due pezzi entrano poi a far parte delle collezioni del Musée des Arts Décoratifs di Parigi. Lo stesso anno, il Mobilier National lo seleziona per la prima edizione degli Aliénés.

Sulla scia di questo successo, Pierre-Yves ha aperto il suo studio a Bruxelles nel 2021. Qui sviluppa una filosofia ben chiara: rivisitare le tecniche antiche per rivelarne la modernità, mettendole in dialogo con le tematiche del presente. Il suo lavoro viene subito notato da Alberto Cavalli, che lo inserisce nella guida Homo Faber.

Nel 2022 ha collaborato con i designer di BISKT a un progetto sperimentale per Wallonie Design, dando vita a una trave IPN in ceramica dipinta a imitazione del marmo, un’opera esposta nel 2023 alla Fondazione Boghossian. Parallelamente, porta avanti un lavoro di ricerca con il designer Ben Storms sulle variazioni contemporanee della doratura.

L'artista Abdelkader Benchamma lo ha chiamato per realizzare delle opere in marmo dipinto nella nuova stazione della metropolitana di Vitry-sur-Seine, e poi per il suo progetto per il Premio Marcel Duchamp al Centre Pompidou. Nel maggio 2024, Pierre-Yves riceve il premio «Empreinte de l’Année» dai Talents du Luxe.

Le collaborazioni si susseguono: insieme all’arredatore Romain Baty, crea per un appartamento parigino delle finiture inedite: pittura a tempera applicata con la spugna, lacca craquelé, metallizzazione a freddo, intarsio con gusci d’uovo, specchi al nitrato d’argento. Cartier gli commissiona poi cinque pannelli monumentali in intarsio che imita le pietre preziose per una collezione presentata a Stoccolma. Segue poi una residenza alla Villa Albertine di New York, mentre due nuovi pezzi vengono svelati al salone Révélation al Grand Palais.

Nell’ottobre 2025, la sua opera *Arlecchino 2* viene selezionata da Homo Faber per la mostra *Interwoven* a Siviglia. Lo stesso mese, presenta una nuova serie che unisce dorature “selvagge”, fiori in vetro eglomisé e un impianto audio che imita il marmo nel padiglione di Paul Emilieu Marchesseau per la mostra “Les Nouveaux Ensembliers” al Mobilier National.

Instagram: https://www.instagram.com/pierreyvesmorel

A Murano, la leggendaria isola del vetro, alcuni artigiani sembrano quasi nati per creare. Matteo Seguso è uno di questi. Nato a Venezia nel 1973, figlio di Bruno Seguso, a sua volta maestro incisore, Matteo è cresciuto circondato da vetrerie e dal bagliore delle fornaci. Eppure, il suo percorso verso l’arte dell’incisione su vetro è iniziato piuttosto tardi: solo nel 1998, all’età di 25 anni, suo padre gli ha proposto di cimentarsi in questa disciplina. Dal 1° gennaio 1999, ogni giorno si mette al lavoro a sua volta e, in 21 anni, la sua passione non ha fatto che crescere.

Nel laboratorio che ha ereditato da suo padre e dal suo socio Paolo, Matteo trasforma vasi, bicchieri, specchi e oggetti in vetro di ogni forma in vere e proprie opere d’arte. Il suo stile, che unisce l’incisione tradizionale alla tecnica del battuto, ha trovato posto in numerose collezioni private in tutto il mondo. Ma nonostante le sue collaborazioni con prestigiose vetrerie e designer internazionali, il suo legame con Murano rimane intatto.
Il battuto, o vetro «martellato», è al centro del suo lavoro. Questa tecnica, che consiste nel ricoprire la superficie di un oggetto in vetro con motivi regolari o liberi, ricorda l’effetto del rame martellato. Matteo spiega che l’incisione e il battuto sono solo due espressioni diverse della stessa arte, che richiedono gli stessi gesti precisi e l’uso di mole di diverse dimensioni e forme. L’immaginazione e la meticolosità dell’artigiano danno così vita a un oggetto unico, in cui ogni tratto porta la personalità del maestro.
Essere artigiano, per Matteo, significa libertà, creatività, soddisfazione… ma anche impegno e sacrifici. Ricorda con emozione il primo giorno trascorso al tornio sotto lo sguardo attento di suo padre, il primo oggetto che ha realizzato da solo e le sue esperienze internazionali, in particolare negli Stati Uniti, dove ha insegnato la sua arte. Questi ricordi, dice, alimentano ancora oggi la sua passione.

Riconoscuto per la sua serietà e maestria, Matteo Seguso ha ricevuto numerosi premi nazionali e internazionali ed è stato insignito del titolo di MAM (Master of Arts and Crafts), un riconoscimento che, secondo lui, simboleggia il frutto del suo instancabile lavoro e della sua costante creatività.
Nel suo laboratorio, ogni pezzo nasce da gesti antichi, precisi, quasi rituali. Sia che parta da disegni e modelli forniti dai suoi clienti o dalla sua collezione personale di schizzi, Matteo modella il vetro con infinita pazienza e inventiva senza limiti. Grazie a lui, il vetro di Murano continua a brillare, non solo per la sua trasparenza, ma anche per l’anima e la passione di chi lo plasma.

Romuald Mesdagh, maestro mosaicista italo-belga, si è diplomato alla prestigiosa Scuola Mosaicisti del Friuli, dove ha conseguito il titolo di Maestro Mosaicista. Dopo aver studiato arte, pittura, disegno e fotografia in Belgio e in Spagna, si è perfezionato in Italia, dove è stato selezionato tra i sei migliori studenti del suo corso. Ha poi seguito un percorso di specializzazione avanzata e ha collaborato a commissioni ufficiali per la scuola. 

A Venezia, fonda insieme ad Alessandra Di Gennaro l'atelier Artefact Mosaic Studio, dedicato alla creazione di mosaici artigianali in vetro di Murano e marmi selezionati, che spaziano dai ritratti realistici alle opere destinate a progetti residenziali, religiosi o di design. Riconosciuto per la sua competenza, collabora con marchi prestigiosi come Tod’s e realizza esclusivamente mosaici su commissione per clienti privati e istituzionali negli Stati Uniti, in Kuwait, a Hong Kong e in Corea del Sud. 

Dewi Brunet è uno dei pochi specialisti al mondo in grado di padroneggiare e combinare diverse tecniche di piegatura, dall’origami alla plissatura, passando per la piegatura a pieghe, in un approccio coerente e innovativo. Con oltre vent’anni di esperienza alle spalle, ha fatto della piegatura la sua professione da più di un decennio, sviluppando un approccio unico che si colloca al crocevia tra arte, artigianato e ricerca scientifica.

Per Dewi, la piega non è solo una tecnica: è un linguaggio estetico e un prisma attraverso cui osservare il mondo. Affascinato dall’«intelligenza piegata» della natura, trae ispirazione dalle sue strutture per creare applicazioni sensibili e innovative, che realizza su carta, tessuti o biomateriali. Il suo approccio, prevalentemente manuale, si arricchisce di tecniche contemporanee e digitali, offrendo una padronanza completa dei gesti, degli strumenti e dei processi di progettazione.

Da molti anni collabora con architetti, designer, artisti e ricercatori per esplorare nuove applicazioni estetiche e funzionali della piegatura. Questa competenza gli è valsa il riconoscimento di maestro artigiano da parte della Fondazione Michelangelo, a conferma dell’unicità e del rigore del suo approccio.

Maëlys Dayre, una giovane designer artigiana francese, esplora i confini tra pelletteria, tessile e arti applicate con una sensibilità fuori dal comune. Già a quattordici anni entra a far parte di Les Ateliers Grégoire, dove scopre la sua prima passione per la pelle. Continua la sua formazione in alternanza scuola-lavoro presso Louis Vuitton, nei laboratori di Asnières, dove perfeziona le tecniche di fabbricazione delle valigie. A diciassette anni, dopo aver conseguito il diploma di maturità, entra alla scuola Duperré, attratta dalla trasversalità delle competenze, e lì approfondisce il ricamo, la tessitura manuale ed elettronica, la lavorazione delle piume e le tecniche dell’uncinetto di Lunéville. Il diploma, ottenuto con il massimo dei voti, segna l’inizio di un percorso indipendente alimentato dalla maestria artigianale e dalla curiosità creativa.
Stabilitasi a Parigi, Maëlys divide il suo tempo tra il suo laboratorio di ricamo e piumeria e gli Ateliers Carnoy, dove continua a dedicarsi alla tessitura e alla pelletteria. I suoi progetti uniscono arte, design e artigianato, dalla creazione di oggetti ibridi alle collezioni dedicate all’arte di vivere, come «Prémisse», dove pelli patinate, galloni intrecciati in pelle di salmone e frammenti di pelli esotiche dialogano in un elegante gioco di materiali e volumi. Ogni pezzo rivela il suo attaccamento alla sensualità delle curve, alla preziosità del gesto e alla valorizzazione dei materiali, che si tratti di scarti di pelle o di ritagli di pelli esotiche trasformati in un raffinato patchwork.
Maëlys Dayre considera la pelle come un materiale vivo, sensibile al tempo, ai segni e alla patina, ed esplora il suo potenziale fino all’ultimo frammento. Il suo approccio si basa sulla costruzione del materiale prima ancora che sulla decorazione, cercando di ridurre al minimo gli sprechi e di rivelare la ricchezza dei frammenti dimenticati. Con questo approccio, trasforma la pelle, il tessuto e il ricamo in superfici contemporanee e narrative, dove tecnica e creatività si intrecciano per creare opere uniche, a metà strada tra l’intimo e l’artigianato d’eccezione.

Con sede a Londra, l’artista britannica Elizabeth Kent crea un universo in cui il vetro diventa paesaggio e la luce, materia prima. Combinando vetro e metalli riflettenti, realizza opere a specchio di una precisione quasi alchemica, disponibili come pezzi unici e in edizioni limitate. Le sue creazioni, ispirate alle forme naturali, giocano con la riflettività per produrre sottili effetti ottici che trasformano lo spazio e invitano chi guarda a vivere un’esperienza sensoriale del riflesso e del paesaggio.
Dopo aver studiato scultura alla Chelsea School of Art, Elizabeth Kent si è subito fatta strada nel panorama artistico britannico. Le sue opere sono state esposte in musei, gallerie e fiere prestigiose, tra cui il Victoria and Albert Museum. A cavallo tra arte contemporanea e artigianato artistico, collabora regolarmente con il settore alberghiero di lusso, dove i suoi specchi diventano vere e proprie installazioni, rivelando l’atmosfera di un luogo tanto quanto la plasmano.
Dal 2022 trasmette anche la sua esperienza nel vetro eglomisé, un’antica tecnica di cui rinnova il linguaggio con discreta eleganza. Sia attraverso la sua attività didattica che nel suo atelier, Elizabeth Kent coltiva la stessa ambizione: creare opere in cui il gesto artigianale, la luce e la materia si uniscono per dare vita a specchi che non si limitano a riflettere il mondo, ma lo reinventano.

https://www.elizabethkent.co.uk

L'architetto degli spazi dove si respira il mondo 

 
Nato a Osaka nel 1976 e oggi residente a Kyoto, Masayuki Inaida non era destinato a diventare uno degli artigiani più singolari dell’architettura sukiya. Laureato all’Università Doshisha, ha iniziato a lavorare nel settore delle macchine di precisione, un mondo in cui tutto è regolato al millimetro. Ma ben presto, il richiamo del legno, dei gesti ancestrali e di un’estetica in armonia con la natura si è fatto troppo forte. Lascia l’ingegneria per varcare la soglia di un mondo più silenzioso: quello dell’edilizia tradizionale giapponese.
Nel 2005 entra a far parte della Yamanaka Komuten, l’azienda responsabile degli edifici del Daitoku-ji, l’emblematico tempio zen di Kyoto. Lì, tra pilastri centenari e padiglioni da tè, plasma la sua comprensione del wabi-sabi, del vuoto, della bellezza dell’incompiuto. Casa dopo casa, sia in Giappone che all’estero, scopre che costruire non significa solo erigere una struttura, ma plasmare uno stato d’animo: quello di una presenza attenta al mondo. 

Dieci anni dopo, spinto dal desiderio di trasmettere liberamente l’essenza della sala da tè, ha ideato Kian, una struttura in bambù che funge da sala da tè, trasportabile e montabile in autonomia da una sola persona. Una mossa audace: trasformare l’intera natura in un padiglione da tè. Foreste, fiumi, coste e persino le città diventano così il suo terreno di gioco. Kian viaggia, dalla Francia al Regno Unito, dagli Stati Uniti alle montagne giapponesi, creando momenti sospesi in cui il tè diventa un linguaggio universale. 

Negli ultimi anni, Masayuki Inaida ha portato ancora più in là questa fusione tra rituale e paesaggio organizzando una cerimonia del tè sulla vetta del Monte Fuji, un’esperienza simbolica del legame intimo che vuole ravvivare tra l’uomo e la natura. 
Nel 2022, nel bel mezzo di una pandemia mondiale, ha aperto Rokkaku-an, una casa da tè nel 1° arrondissement di Parigi. Questo spazio diventa un rifugio, un luogo di connessione emotiva in un’epoca segnata dalla distanza. 

Tre anni dopo, si è occupato della ristrutturazione di un ristorante di sushi a Montmartre, dove ha installato un bancone in legno di hinoki di Yoshino vecchio di 350 anni. Progettato, esportato e montato sotto la sua guida, questo legno secolare racchiude in sé la storia di un artigianato giapponese che lui vuole far conoscere al mondo. Il
suo lavoro è ampiamente riportato dalla stampa giapponese e internazionale. 
Oggi, Masayuki Inaida continua a fare la spola tra il Giappone e l’Europa, portando con sé una visione: creare spazi ed esperienze che permettano a ciascuno di ritrovare un gesto essenziale, quello di essere presente, a se stessi, agli altri, alla natura. 

Carole Serny realizza a mano oggetti d'eccezione in metalli preziosi e metalli ramati. La sua attività si divide tra la creazione di pezzi unici ispirati al suo mondo personale e progetti su misura, realizzati in collaborazione con clienti privati, gallerie, curatori, nonché decoratori e architetti d'interni.

Le sue creazioni riflettono una ricerca nell’oreficeria libera, leggera e intrisa di umorismo, libera dai codici tradizionali. Traggono ispirazione dalla natura, dall’architettura, nonché dal mondo dell’arte e della moda. Carole modella ogni pezzo con sincerità, poesia e rigore, trovando un equilibrio tra la semplicità delle forme e l'ornamento contemporaneo. Convinta della necessità di un ritorno alla decorazione dopo decenni segnati dal design industriale minimalista, difende un ornamento ricco di significato, capace di raccontare una storia e di dare a ogni oggetto un'identità unica.

Originaria di Chalon-sur-Saône, in Borgogna, Carole è sempre stata attratta dal disegno e dal lavoro sulla linea. Da bambina, osservava i suoi genitori dare forma alla loro quotidianità attraverso il bricolage e le attività manuali, un’immersione precoce che ha alimentato il suo rapporto sensibile con il gesto e il «fare».

È all’École Boulle che scopre le tecniche che oggi costituiscono il suo savoir-faire. La visita al laboratorio di cesellatura è stata una vera rivelazione: il rumore della fucina, il soffio del cannello, il ritmo dei martelli. La cesellatura, grande tecnica di decorazione del metallo, si impone allora come una scelta ovvia.
Nella cesellatura, i pezzi vengono modellati, repoussés e decorati con l’aiuto di ceselli dai profili vari e di un martello. Ogni gesto è definitivo: non c’è spazio per ripensamenti, ogni colpo lascia il segno.

Nel 2019, Carole Serny ha aperto il suo laboratorio. Da allora ha approfondito le sue competenze nell'oreficeria, l'arte di progettare e realizzare oggetti in metalli preziosi. Sebbene nella realizzazione di un pezzo possano intervenire numerose figure professionali, come tornitori-rimboccatori, spianatori, lucidatori, cesellatori, incisori, argentatori o doratori, l’orafo ne rimane il direttore d’orchestra, occupandosi della progettazione tecnica, della regolazione e delle operazioni di montaggio a caldo e a freddo.

Oggi Carole lavora come orafa e cesellatrice nel Lot, nel cuore del Parco Naturale Regionale dei Causses du Quercy.

Quasi dieci anni di formazione ed esperienza hanno plasmato la maestria di Alex Maurizi nell’arte dell’intreccio. Dopo aver abbandonato il percorso scolastico tradizionale, si è rivolto ai maestri artigiani di Mogliano, dai quali ha imparato le tecniche fondamentali. In poco tempo, le sue creazioni hanno attirato le richieste dei clienti del mondo dell’alta moda.

Nel 2019 ha fondato Intreccio Vivo, un laboratorio dedicato all’esplorazione, alla progettazione e alla realizzazione di oggetti intrecciati. Oggi l’azienda mette a frutto la propria esperienza nei settori della moda, dell’arredamento, della nautica e dell’automobile, realizzando anche progetti su misura.

A Murano, dove il vetro fa parte del paesaggio tanto quanto la laguna, Emanuel Toffolo non poteva certo avere un altro destino. Nato nel 1982 in una famiglia di maestri vetrai, è cresciuto nel laboratorio di suo padre, Cesare, cullato dal soffio del cannello e dal tintinnio delle bacchette di vetro. Dopo il diploma al Liceo Artistico di Venezia, nel 2000 si è orientato naturalmente verso la tecnica del lavoro al cannello, che diventerà il suo linguaggio.

In men che non si dica, un mondo prende il sopravvento: quello degli insetti. La loro precisione anatomica, i loro colori e i loro volumi lo affascinano. Quello che all’inizio era solo un passatempo, sviluppato senza una vera e propria formazione accademica, si trasforma in una vocazione. Lo sguardo esperto e benevolo di suo padre lo incoraggia a proseguire su questa strada singolare.

Il riconoscimento arriva già nel 2013, quando l’Art Alliance for Contemporary Glass lo nomina “Artista del mese”. Le sue opere attirano l’attenzione del Wheaton Arts and Cultural Center, che le espone durante il Glass Weekend, nel 2013 e poi nel 2015. Un anno dopo, la sua carriera internazionale si espande ancora di più: Emanuel viene invitato al Niijima International Glass Art Festival, in Giappone, per tenere un workshop. Il Niijima Glass Museum e il Kobe Lampwork Museum acquistano allora alcune delle sue opere. Nel 2019 è Miami ad accoglierlo, al Wiener Museum of Decorative Art.

Ma Emanuel Toffolo non si limita alla creazione. Nel 2016 unisce le sue tre passioni – il vetro, la musica e la fotografia – per firmare il suo primo documentario, *Murano: L’insostenibile leggerezza del vetro*, realizzato insieme a suo fratello Elia e a Caterina Toso. Presentato in Italia, negli Stati Uniti e poi in Portogallo, il film ha vinto il premio «Best Art Feature» all’Eugene International Film Festival.

Continua questo percorso di esplorazione visiva e documentaria con ROSIN, The strong side of glass (2018), The Engravers (2020) e The Flame, The Art and the History of Lampworking (2022), quest’ultimo realizzato in collaborazione con il Corning Museum of Glass e premiato con quaranta riconoscimenti internazionali.

Oggi, i suoi insetti di vetro, delicati, vivaci, quasi vibranti, viaggiano in tutto il mondo, esposti in gallerie e musei che ne apprezzano la precisione del gesto e lo sguardo da entomologo-poeta.
Attraverso la sua opera, Emanuel Toffolo continua a rinnovare l’arte della lavorazione a lume e a portare l’eredità vetraria di Murano verso nuovi orizzonti.

Con sede a Marsiglia, Dorian Renard si distingue per una pratica scultorea e sperimentale che gioca con equilibrio, trasparenza e distorsione. Affascinato dal vetro, reinterpreta le tecniche artigianali tradizionali, applicandole alla plastica e riportando questo materiale spesso denigrato al suo antico splendore, rimodellando così la nostra percezione della bellezza.

Laureato all'École supérieure d'art et design di Saint-Étienne, Dorian Renard ha iniziato la sua carriera a Londra, collaborando a progetti per Ikea Global e Habitat UK. Tuttavia, ha presto scoperto che il design industriale era troppo distaccato dall'artigianato e dal materiale stesso. Il suo percorso lo ha poi condotto verso il lavoro artigianale, in particolare al fianco del designer Alex de Witte, che ha accompagnato in Repubblica Ceca nei laboratori dove vengono realizzati i suoi apparecchi di illuminazione. L'esperienza dei vetrai e il loro dialogo intimo con una materia viva hanno segnato una svolta decisiva nel suo approccio artistico.

Due anni alla Design Academy di Eindhoven hanno confermato il suo percorso: ha affinato il suo stile, tradotto le tecniche di soffiatura del vetro in plastica ed esplorato i limiti del materiale. Il suo lavoro non si limita più a creare oggetti; si interroga sul significato delle forme, sperimenta con la bellezza e celebra il gesto umano, visibile in ogni piega.

Ora residente a Marsiglia, Dorian progetta e realizza i suoi pezzi in un laboratorio condiviso vicino al Porto Vecchio. La sua collezione, The Beauty of Distortion, illustra perfettamente questo approccio: pezzi che sfidano gli standard, catturano la luce e giocano con la percezione, dove l'artigianato incontra il design contemporaneo.

https://dorianrenard.com

Con sede tra Parigi e la Borgogna, Zoé Grenaudier sviluppa una pratica ceramica all'intersezione tra oggetto e scultura. Dopo una formazione in graphic design, si è gradualmente dedicata all'argilla per esplorare forma, texture e luce, trasformando oggetti di uso quotidiano – teiere, sgabelli, mensole – in pezzi ibridi con accenti figurativi.
Influenzata dalla storia dell'arte e dalla mitologia, il suo lavoro evoca riferimenti al mondo animale e vegetale e intreccia connessioni inaspettate tra scultura, disegno e funzione. Dal 2021 crea pezzi unici e piccole serie, sviluppando anche progetti di piastrelle su misura per architetti, designer e clienti privati. Zoé Grenaudier è anche la fondatrice della fabbrica di piastrelle Carreaux Orto, dedicata alla creazione di piastrelle artigianali. Parallelamente alla sua produzione, trasmette il suo know-how attraverso workshop per adulti, combinando apprendimento tecnico, sperimentazione e pensiero creativo, con particolare attenzione alla gestualità.

Originario di Brest, in Bretagna, Jean-Brieuc Chevalier ha iniziato con gli studi scientifici prima di dedicarsi all'ebanisteria, prendendo un CAP, un BMA e poi un DMA. Nel 2012 ha aperto il suo laboratorio ad Angers, dando vita alla sua vecchia passione per il legno e il cucito, due campi che ha esplorato insieme fin dalle sue prime esperienze lavorative.

Da questo mix nascono pezzi unici, che uniscono le tecniche della lavorazione del legno e del ricamo. Il suo lavoro ha attirato presto l'attenzione di architetti e designer. Le collaborazioni con Aurélie Rimbert, Léa Zeroil e lo studio OUD hanno arricchito il suo approccio e gli hanno permesso di affermare uno stile unico.

Il 2021 è stato un anno importante per lui, perché ha partecipato al Salon Révélations, dove ha incontrato l'architetto Maxime d'Angeac. Da questo incontro è nata l'idea di creare le testate dei letti del nuovo Orient Express, che ora sono esposte al Musée des Arts décoratifs di Parigi.

Nel 2025, il laboratorio partecipa alla mostra Les Nouveaux Ensembliers e crea diversi pezzi per gli architetti dello studio OUD. Nello stesso anno, Jean-Brieuc Chevalier riceve il Prix Talent d’Exception pour l’Intelligence de la Main, un premio dato dalla Fondazione Bettencourt Schueller. Il suo paravento Mille-Fleurs, fatto tutto con intarsio e ricamo, sarà presentato a Homo Faber, a Venezia, nel settembre 2026.

Allo stesso tempo, il laboratorio sta collaborando con le designer tessili Lily Alcaraz e Léa Berliez per creare tessuti in legno da usare nei mobili e nei progetti di interior design, specialmente per i negozi Cartier.

Fin da piccola, Hermine Torikian è stata affascinata dal teatro e inizialmente ha pensato di diventare scenografa. La sua attenzione per lo spazio, la messa in scena e i materiali l'ha poi portata a studiare architettura. Durante la sua formazione, si è concentrata soprattutto sullo studio dei materiali, esplorando il legno e la terra come soggetti di ricerca e creazione. Dopo la laurea in architettura, ha deciso di continuare questo percorso con una formazione manuale e si è iscritta a un corso di falegnameria.

Ha poi lavorato per diversi anni in un laboratorio di ebanisteria artistica a Parigi, dove ha imparato le tecniche, i vincoli e le esigenze del mestiere. Allo stesso tempo, ha imparato da sola l'arte dell'intarsio: la sera creava piccoli oggetti con scarti di impiallacciatura, sviluppando gradualmente uno stile personale basato su motivi grafici e colori.

Nel 2023 ha aperto il suo laboratorio a Ivry-sur-Seine, dove crea mobili e oggetti decorativi usando tecniche moderne di intarsio. La sua carriera è stata caratterizzata da un graduale cambiamento di scala: dagli edifici ai mobili, poi ai dettagli minuscoli ed estremamente precisi. Questo passaggio dal monumentale all'intimo, dallo spazio architettonico agli oggetti, è ora alla base del suo approccio.  

Hermine Torikian ha inventato un modo tutto suo di fare mobili, dove il legno diventa sia un modo per sperimentare artisticamente sia un linguaggio delicato. Il suo lavoro si distingue per l'uso sapiente dei contrasti: colori vivaci, linee curve e motivi grafici si uniscono per creare un linguaggio visivo preciso.  

Nelle sue creazioni, l'intarsio non è mai solo decorativo. Lei lo mette al centro del progetto, come principio che dà forma al mobile. Totale, visibile e ovunque, si estende su tutto l'oggetto, a volte anche in parti che di solito sono secondarie o nascoste.
Con questo approccio, esplora i confini tra struttura e ornamento, rigore e sensibilità, creando un'opera dove l'artigianato meticoloso dialoga con una sensibilità spaziale che viene dall'architettura.  

Nel cuore di Osaka, dove le luci al neon e gli schermi LED hanno preso il posto delle luci tremolanti di una volta, Akimura Taiheidō, fondata nel 1921, continua a creare senza sosta le chōchin, le tradizionali lanterne giapponesi. Alla guida dell'azienda, Keizo Akimura, quarta generazione, difende un mestiere a rischio ma fondamentale, unendo il sapere ancestrale al rigore contemporaneo.

Da ex grossista a laboratorio integrato, Akimura Taiheidō permette a Keizo Akimura di gestire ogni fase della produzione, dall'assemblaggio dello stampo in legno rimovibile all'avvolgimento delle cornici, dall'applicazione della carta washi alla decorazione con calligrafia e motivi tradizionali. Sempre in contatto con i ricercatori, l'artigiano esplora queste tecniche con un approccio scientifico e analitico, garantendo solidità, diffusione ottimale della luce e fedeltà estetica.

Visto che c'era sempre meno gente che faceva questo lavoro, Keizo Akimura ha cambiato il modo di lavorare dell'azienda, portando la produzione in casa per mantenere viva la tradizione. Ogni lanterna è fatta su misura per quello che vogliono i clienti, i templi, i negozi o i ristoranti, con loghi, disegni e atmosfere messi insieme con cura.

Tra i suoi successi più importanti c'è una lanterna enorme di 2,70 metri per il tempio Kinpusenji, patrimonio mondiale dell'UNESCO, cinquant'anni dopo la sua prima consegna. Più di recente, una collaborazione con Beams Japan ha mostrato come il laboratorio sia in grado di interagire con il mondo della moda, dando alla tradizione una visibilità contemporanea.

Il progetto più grande di Keizo Akimura è Akimura Village, un ecosistema che si fa da solo e che è tutto incentrato sulle lanterne: coltivazione del bambù, produzione di carta washi, laboratori e trasmissione di competenze. Il progetto, che dovrebbe finire nel 2028, vuole garantire che questo patrimonio vivente continui a esistere.
Per Keizo Akimura, che da un secolo si prende cura della luce, la lanterna non è più solo una fonte di luce: è un pezzo di memoria, un segnale, un'identità. E forse, presto, il cuore pulsante di un villaggio tutto dedicato alla luce.

Per Racso Jugarap, la creatività non è tanto una scelta di carriera quanto un impulso vitale. Da bambino, nelle Filippine, creava e assemblava cose in modo istintivo, senza mai pensare a se stesso come a un artista, una parola che era quasi tabù nel suo ambiente culturale. È stato solo dopo essersi trasferito a Bruxelles nel 2015 che la sua visione di sé è cambiata. Due anni dopo, nel 2017, ha deciso di dedicarsi completamente alla sua attività. 

Il filo metallico era una scelta ovvia per lui. Figlio di un designer di gioielli, è cresciuto nel laboratorio di suo padre, guardando l'oro e l'argento trasformarsi in oggetti preziosi. Troppo giovane per maneggiare i metalli preziosi, raccoglieva il filo metallico lasciato sul pavimento, usato per legare gli stampi. Questi frammenti sono diventati i suoi primi materiali. Il laboratorio è diventato un campo di prova e gli strumenti sono diventati i suoi giocattoli. 

Ma la sua strada lo ha portato altrove. In Europa, a fare lo chef, in diverse città. Finché un giorno, in un negozio di ferramenta, davanti a dei rotoli di filo metallico, un ricordo sensoriale è tornato a galla. Il gesto è tornato subito. Malleabile e flessibile, il filo è diventato il mezzo per esprimere un linguaggio personale.  

Artista autodidatta, Racso lavora senza schizzi. Le superfici piatte lo mettono a disagio; le sue idee devono nascere nello spazio. Il filo agisce come inchiostro tridimensionale, catturando l'intuizione e dando forma alle emozioni. Il processo è diretto, a volte febbrile: un'immagine emerge, nata da un ricordo o da una meditazione, e l'artista si isola nel suo studio fino all'alba. 

Niente è davvero pianificato in anticipo. Le dimensioni si vedono solo quando il lavoro è finito, anche se questo vuol dire improvvisare per farlo uscire dallo studio. Alcuni pezzi prendono forma in poche ore, altri ci mettono mesi, a seconda di quanto sei preso dal momento o di come si avvicina una mostra. 

I suoi lavori recenti parlano di un tema molto personale: l'infanzia. Sembrano fragili, ma in realtà sono robusti e proiettano ombre che si muovono nello spazio. 

A Bruxelles, dove apprezza l'energia cosmopolita e l'attenzione per l'arte e il design, trova un punto d'appoggio. Oltre alla bravura tecnica, il suo lavoro è incentrato sul recupero di qualcosa. Dopo aver lasciato casa a 18 anni e aver affrontato l'indipendenza in giovane età, dice di essersi lasciato alle spalle una parte della sua natura spensierata. Le sue sculture diventano quindi un modo per riscoprirla. 

Attraverso i suoi fili intrecciati, Racso Jugarap invita tutti a risvegliare il bambino che è in loro: a ridere liberamente, ballare sotto la pioggia, arrampicarsi sugli alberi e abbracciare lo squilibrio. Non per tornare indietro, ma per riscoprire la libertà. 

Laureato all'École nationale supérieure des Arts Décoratifs e formato da diversi artigiani, Wilfried Becret lavora all'incrocio tra design, ricerca e artigianato. Sia prototipista che designer, concentra la sua ricerca sui materiali, dando spazio alla sperimentazione, all'immersione sul campo e al dialogo con artigiani, produttori e scienziati. 

Nel suo laboratorio, che è come un laboratorio scientifico, lui studia come trasformare i materiali di scarto industriali, soprattutto quelli che di solito non si riciclano. Lungi dal considerarli rifiuti, li vede come risorse da riclassificare. Studiando le loro proprietà fisiche, estetiche e strutturali, immagina nuovi usi per loro nel design, nell'architettura e nell'arredamento. Il suo approccio, basato su una visione ecosistemica, mette in discussione i cicli di trasformazione, l'origine delle risorse e la possibilità di cortocircuiti tra la produzione industriale e quella artigianale. 

Allo stesso tempo, Wilfried Becret ripensa i gesti e le tradizioni che collegano la materia alla forma. La lavorazione del vetro, la ceramica, la tessitura e la cesteria diventano campi di sperimentazione contemporanea. L'obiettivo non è quello di conservare queste competenze sotto una campana di vetro, ma di confrontarle con le attuali sfide dell'innovazione e dell'eco-design. Ibridazione delle tecniche, trasposizione degli strumenti, reinterpretazione dei processi: il suo lavoro mette in evidenza la capacità delle pratiche artigianali di alimentare la ricerca applicata e contestualizzata.
Un progetto dedicato alla modellatura del vetro fuso illustra questa riflessione sul processo. Di solito invisibili, gli strumenti che determinano la forma e la consistenza degli oggetti sono qui integrati nell'opera finale. Gli stampi in legno, tradizionalmente nascosti, diventano elementi strutturali visibili. L'oggetto conserva così la memoria del gesto e rivela il dialogo tra materiale e strumento, rendendo il processo di fabbricazione una dimensione estetica a sé stante. 

Con un approccio che dice "fai quello che puoi" - usando quello che c'è, le risorse che hai a disposizione e i limiti di oggi - Wilfried spinge per un design che tenga conto della società. Il suo lavoro disegna i contorni di un design più semplice e resistente, dove innovazione, memoria e responsabilità vanno avanti insieme. 

La carriera di Maud Ruby si è sviluppata all’incrocio tra moda e materiali. Dopo aver studiato design di moda e modellistica alla scuola LISAA, ha iniziato la sua carriera nel mondo dei tessuti e degli accessori, collaborando con marchi come Lagerfeld Gallery Maroquinerie, Malhia Kent e Irina Volkonskii. In poco tempo, l'artigianato è diventato la sua vocazione: ha completato la sua formazione alla Greta de la Mode di Parigi, ha ottenuto il CAP come candidata indipendente e si è dedicata anima e corpo all'artigianato d'eccezione.

Le piume sono così diventate il suo linguaggio. Per più di cinque anni si è formata presso Legeron, un iconico laboratorio a conduzione familiare, dove ha imparato alla perfezione le tecniche e le tradizioni dell’arte delle piume. Oggi, come artista delle piume e modista, Maud Ruby mette la sua esperienza al servizio delle principali case parigine – Lemarié, Sandrine Bourg e Michel Carel – oltre che di case di moda internazionali come Givenchy, The Row, Dries Van Noten e Ralph Lauren.

In qualità di fondatrice del proprio studio di design specializzato in lavori con le piume, persegue un approccio in cui l'artigianato tradizionale si fonde con il design contemporaneo. Il suo lavoro si estende ora all'architettura d'interni, al design e alla scenografia, esplorando nuove frontiere in cui i materiali diventano spazio e gli oggetti diventano emozione.

Dopo aver studiato storia dell’arte all’École du Louvre, Héléna Guy Lhomme si è inizialmente affermata attraverso la pittura e la scultura in ceramica, prima di scoprire un materiale insolito per molti: la lana. È a Mosca, a contatto con artisti e artigiani slavi e all’interno della scena artistica underground, che ha iniziato a lavorarla. Tornata in Francia, ha completato il suo percorso all’ENSAPC di Cergy con un DNSEP.

Quando la pandemia la isola dal mondo esterno, la lana cardata si impone come un’evidenza catartica. Materiale vivo ed ecologico, frutto del lavoro di persone e animali, diventa il legame tangibile che la tiene ancora unita al mondo. Questo mezzo fluido, che evoca femminilità e calore domestico, ultra plastico e pittorico, che lei trasforma con decine di migliaia di punti di ago, le dona un rinnovato potere creativo.
In una quotidianità ridotta a rituali ripetitivi, il tema del pasto e del cibo diventa centrale nel suo lavoro, esplorando il nostro posto nel mondo vivente e la forza delle eredità culturali.
Nel 2023, il Mobilier National la invita a partecipare alla seconda edizione della mostra «Les Aliénés», presentata al castello di Biron in Dordogna. La DRAC Île-de-France sostiene la sua residenza di un anno in azienda presso Capgemini e, nel 2024, il collettivo JAD la seleziona per una residenza con BilbaoArte, il cui risultato sarà presentato a Venezia nell’autunno del 2026. Il suo lavoro è esposto anche al Musée des Arts Décoratifs e al PAD con la galleria Maison Parisienne, e fa parte di collezioni pubbliche e private.

Per Michèle Forest, il filo non è mai un semplice materiale. Diventa struttura, linguaggio, legame. A metà strada tra il costruttivismo e le tecniche tessili tradizionali, il suo lavoro sviluppa un vocabolario scultoreo in cui gesti pazienti e sperimentazioni contemporanee si incontrano.
In un rapporto profondamente tattile con la materia, l’artista compone utilizzando fibre naturali, fili, ma anche oggetti lavorati o raccolti in natura. Integrati nel cuore del tessuto, questi elementi danno vita a forme organiche, a metà strada tra evocazioni vegetali e presenze animali. L’uncinetto, l’annodatura e la tessitura diventano così strumenti di costruzione, capaci di generare volumi, tensioni e architetture.

Riproponendo una tecnica ancestrale, Michèle Forest ne ridefinisce gli usi e sfuma i confini tra arte e artigianato. Il suo lavoro si inserisce in una temporalità lenta, attenta ai materiali e alla loro provenienza, in contrasto con le logiche della produzione veloce e del consumo immediato.
Laureata all’École Supérieure des Arts Appliqués Duperré di Parigi e membro degli Ateliers d’Art de France, porta avanti parallelamente un’attività di divulgazione, condividendo le sue ricerche e i suoi metodi con un pubblico variegato.

Le sue opere sono state esposte sia in Francia che all’estero, in particolare in Corea del Sud e a Hong Kong, oltre che nell’ambito delle biennali “Révélations”, in Francia e in Cina.
Attraverso il filo, annodato, intrecciato o lavorato all’uncinetto, prende forma una riflessione più ampia sul vivente. Tra fragilità e resistenza, scomparsa e trasformazione, le sue opere mettono in discussione i rapporti di interdipendenza tra l’uomo, gli animali e l’ambiente. Una pratica al tempo stesso poetica e impegnata, che invita a riconsiderare il nostro modo di vivere nel mondo.

Dopo essersi formata in arti applicate alla scuola Olivier de Serres di Parigi, Marion Chopineau ha sviluppato un percorso creativo a cavallo tra il design tessile e la ricerca formale. Collabora con grandi case di moda, per le quali disegna ricami, accessori e progetti sperimentali, pur portando avanti un lavoro personale incentrato sulla trasformazione dei saperi artigianali.
Il suo approccio si basa sull’ibridazione delle tecniche: vimini, macramè, maglia o modellaggio si incontrano in creazioni in cui il tessuto diventa struttura. Rielaborando e combinando queste pratiche, elabora un linguaggio plastico unico, al tempo stesso tecnico e sensibile.

La questione del volume è fondamentale nel suo lavoro. Attraverso l'intreccio circolare o la modellatura direttamente sul corpo, crea forme che oscillano tra oggetto, ornamento e architettura. I suoi lavori, costituiti da reti di fili e moduli, evocano costruzioni leggere, quasi immateriali, al confine tra struttura e organico.

Le Parures-Matriochkas proseguono questa ricerca. Realizzate in vetro e fili, si articolano in volumi incastrati, capaci di seguire le forme del corpo o di liberarsene. A metà strada tra gioielleria e vimini, queste opere si basano su tecniche di intreccio ripetitive, inserite in un arco di tempo lungo, dove il gesto diventa processo.

La loro geometria frammentata richiama molteplici riferimenti: strumenti di misura, forme celesti, strutture architettoniche. Questi oggetti evocano al tempo stesso quadranti, sfere o meridiani, inserendo l'opera in una riflessione più ampia sul ciclo, il ritmo e la trasformazione.

Concepiti come architetture indossabili, questi accessori conservano la memoria del corpo pur potendo esistere in modo autonomo. Oscillano tra protezione e ornamento, tra struttura e involucro, affermando una visione del tessuto come spazio di costruzione, al tempo stesso formale e simbolico.

Originario di Brest, in Bretagna, Jean-Brieuc Chevalier ha inizialmente intrapreso una carriera nel campo delle scienze prima di formarsi come ebanista, conseguendo un CAP, un BMA e poi un DMA. Nel 2012 ha fondato il suo laboratorio ad Angers, dando forma concreta a una passione di lunga data per la lavorazione del legno e il cucito: due ambiti che ha esplorato di pari passo sin dalle sue prime esperienze professionali.

Questo approccio ibrido dà vita a pezzi unici che fondono tecniche di lavorazione del legno e di ricamo. Fin dall’inizio, il suo lavoro ha attirato l’attenzione di architetti e designer. Le collaborazioni con Aurélie Rimbert, Léa Zeroil e lo studio OUD hanno gradualmente arricchito la sua visione artistica e definito uno stile inconfondibile.

Il 2021 ha segnato una svolta grazie alla sua partecipazione al Salon Révélations, dove ha incontrato l'architetto Maxime d’Angeac. Da questo incontro sono nate le testate dei letti per il nuovo Orient Express, ora in mostra al Musée des Arts décoratifs di Parigi.

Nel 2025, lo studio ha partecipato alla mostra *Les Nouveaux Ensembliers* e ha realizzato diversi pezzi per gli architetti dello Studio OUD. Nello stesso anno, Jean-Brieuc Chevalier ha ricevuto il Premio Talento Eccezionale per l’Intelligenza della Mano, assegnato dalla Fondazione Bettencourt Schueller. Il suo paravento, *Mille-Fleurs*, realizzato interamente con intarsio e ricamo, sarà esposto all’Homo Faber di Venezia nel settembre 2026.

Allo stesso tempo, lo studio sta collaborando con le designer tessili Lily Alcaraz e Léa Berliez alla realizzazione di intrecci in legno da integrare in progetti di arredamento e interior design, in particolare per le boutique Cartier.

Angélique Lefèvre vive e lavora in uno studio a Parigi. Il suo lavoro offre un'interpretazione poetica del mondo contemporaneo, sviluppata attraverso un processo in più fasi.

Grazie alla sua formazione in discipline umanistiche, ha iniziato a interessarsi alle narrazioni e alle storie delle persone. La sua esperienza come antiquaria ha poi affinato la sua visione degli oggetti: dai più comuni a quelli più unici, tutti finiscono per acquisire un valore speciale col passare del tempo. Alla fine ha seguito una formazione come modellista, imparando a trasformare una superficie piana in una forma tridimensionale: un’abilità che ha avuto un impatto duraturo sulla sua pratica artistica.

Il suo lavoro ha attirato subito l'attenzione delle principali case di moda. Sotto la direzione di Leïla Menchari, ha creato oggetti per Hermès da esporre nelle vetrine del 24 di Faubourg Saint-Honoré: borse, animali, elementi architettonici e pasticcini. Ha anche collaborato con Dior a una versione della borsa Lady Dior presentata in una mostra itinerante in Asia, e con Patek Philippe all'orologio da donna Twenty~4.

Lavora anche per Van Cleef & Arpels e Sisley, oltre che per collezionisti privati. Alcuni dei suoi lavori diventano vere e proprie sculture, come una Leica con i baffi, un baule da cabina Louis Vuitton o un busto di Jean Paul Gaultier.

Le sue opere sono state acquisite da collezioni pubbliche, in particolare dal FRAC Normandie nel 2007 con *Jeune fille au MP3*, e dal centro d’arte Galila’s P.O.C. in Belgio nel 2020 con *Madame De I*.
Oggi il suo lavoro si concentra sugli oggetti di uso quotidiano e sui loro imballaggi termoformati. Trasforma queste forme cave in volumi solidi, conferendo loro una nuova presenza. Attraverso questo approccio, esplora i temi del riciclaggio e dell’upcycling nell’arte.

Uriel Caspi è un artista ceramista di fama internazionale il cui lavoro esplora i legami tra le tecniche artigianali tradizionali e le pratiche scultoree contemporanee. Attraverso la creazione di opere su larga scala, sviluppa un linguaggio visivo unico in cui il materiale, la struttura e il tocco dell'artista sono al centro della scena.

Laureato all'Accademia di Arti e Design Bezalel di Gerusalemme e all'Alfred University di New York, si è formato in contesti artistici internazionali che continuano a influenzare il suo lavoro ancora oggi. Le sue opere sono state esposte in numerose istituzioni ed eventi artistici in tutto il mondo, tra cui Stati Uniti, Europa, Israele e Giappone.

Con sede nei Paesi Bassi, Uriel Caspi continua la sua esplorazione della ceramica come mezzo scultoreo, mantenendo un dialogo costante tra l'eredità dell'artigianato tradizionale e la sperimentazione contemporanea.

Originaria del Québec, Julie Bergeron vive e lavora in Francia dal 2002, a Pantin, nella regione parigina. 
Dopo essersi formata inizialmente nel campo della grafica, sente presto il bisogno di esplorare il volume. Scopre la ceramica nell'atelier di Danielle Lescot, dove si forma tra il 2008 e il 2012. Sotto l'occhio attento della ceramista, sviluppa la sua pratica in gran parte da autodidatta, affinando progressivamente la sua tecnica. 

Ben presto, lavorare la terra è diventata una scelta naturale, che le ha dedicato tutto il suo tempo e la sua creatività. Dal 2021 ha aperto il suo atelier a Pantin, sulle rive del canale dell’Ourcq.
Qui oggi crea pezzi unici, tra ricerca plastica ed esplorazione sensoriale della materia. Il suo approccio privilegia il gesto e la sperimentazione, in un rapporto diretto con la terra, vista come uno spazio di continua invenzione piuttosto che come un semplice supporto di forma. 

Hanako Stubbe è una designer tessile e tessitrice artigianale. Dopo aver studiato all’ENSCI-Les Ateliers e all’ENSAAMA Olivier de Serres, oggi è residente presso l’incubatore degli Ateliers de Paris (promozione 2024-2026).
Il suo lavoro ruota attorno alla creazione di opere murali e tessuti fatti a mano, realizzati su misura per progetti di interior design. Sviluppa un lavoro delicato e sensoriale, incentrato sull’architettura del tessuto, la costruzione dei colori e l’esplorazione dei materiali.
Nelle sue opere, le strutture del tessuto, ordito e trama, giochi di fili, sovrapposizioni di materiali, diventano un vero e proprio linguaggio. Ciò che rimane invisibile a occhio nudo viene rivelato dal gesto e dalla scala, trasformando la tessitura in un supporto di espressione e di trasmissione.
Attenta all’origine dei suoi materiali, privilegia una produzione francese, etica e ragionata, collaborando in particolare con manifatture certificate Entreprise du Patrimoine Vivant come la Filature Fonty. Esplora anche materiali bio-sostenibili, come dimostrano le sue ricerche sulle alghe condotte con Samuel Tomatis.
I suoi recenti viaggi e incontri con il savoir-faire giapponese l’hanno portata a integrare la carta washi nei suoi tessuti, aprendo nuovi campi di sperimentazione per lampade e tessuti decorativi in cui dialogano tradizioni artigianali e creazione contemporanea.
Il suo lavoro si inserisce in una dinamica di collaborazione con designer, artigiani, produttori di tessuti e architetti d’interni. Tra i suoi progetti recenti figurano una collaborazione con la piumista Maud Ruby presentata a «Oui Design New York» con la Villa Albertine, un progetto con Samuel Tomatis e Decathlon Advanced Design, nonché collaborazioni con le case giapponesi Maekawa Inden e Domyo nell’ambito del programma Edo Tokyo Kirari, di cui è vincitrice nel 2025.

A Strasburgo, dietro al suggestivo nome di Atelier Reverdie, soffia una ventata di rinnovamento sui mestieri d’arte. Prestato dalla poesia medievale che celebra il ritorno della primavera, il termine «reverdie» riassume da solo l’ambizione di Pierre Roux: far dialogare tradizione artigianale, creazione contemporanea e innovazione sostenibile.
Fondato nel 2019, l’atelier francese di pelletteria artigianale si è rapidamente affermato come un attore unico nel mondo dei mestieri d’arte. Qui, la pelle non si limita alla realizzazione di oggetti di lusso: diventa materia di creazione, supporto di sperimentazione e terreno di incontro con altre competenze. Legno, ottone, vetro o tessuto arricchiscono così pezzi su misura destinati ai settori del lusso, del design, della moda o dell’ospitalità. 
All’origine di questa avventura, Pierre Roux ha seguito un percorso atipico. Proveniente da una famiglia di ebanisti, è cresciuto in un ambiente in cui il gesto e la materia occupano un posto centrale. Formatosi inizialmente in fotografia, ha iniziato la sua carriera nei musei della città di Parigi. Un’esperienza determinante che ha affinato il suo sguardo artistico e alimentato progressivamente il suo interesse per l’artigianato d’arte. Dopo aver conseguito un diploma professionale in ceramica e aver seguito una formazione in Messico, apre un primo laboratorio-negozio a Strasburgo prima di riorientarsi verso la pelletteria presso il maestro artigiano Christian Débat, nell’atelier Delaforêt.
Questo percorso alimenta oggi l’identità ibrida dell’Atelier Reverdie: un luogo dove artigianato, design e ricerca dialogano costantemente. Qui Pierre Roux sviluppa competenze rare, dalla guaina artistica all’intarsio in pelle, una tecnica minuziosa che contribuisce a riportare in auge. Il suo approccio conquista una clientela esigente alla ricerca di pezzi unici realizzati in piccole e medie serie.
Ma l’ambizione dell’atelier va oltre la semplice creazione. In un settore alle prese con sfide ambientali, Reverdie rivendica un approccio responsabile. Gli scarti di pelle vengono sistematicamente selezionati, riutilizzati o trasformati in nuovi oggetti. L’atelier affianca inoltre altri professionisti nella valorizzazione delle loro eccedenze di materiali flessibili. Pierre Roux esplora inoltre materiali alternativi e sostenibili, come la pelle di pesce, affermando una visione contemporanea del lusso in cui innovazione ed ecodesign diventano indissociabili. 
Certificato Ateliers d’Art de France, l’atelier realizza tutta la sua produzione nella Francia orientale, avvalendosi di una rete di artigiani d’eccellenza francesi, tedeschi e italiani. Questa dinamica collaborativa permette di ideare progetti ambiziosi che combinano diversi materiali, pur mantenendo l’esigenza del savoir-faire tradizionale. 
Anche la trasmissione del sapere occupa un posto essenziale nel progetto di Pierre Roux. Da diversi anni, l’atelier accoglie apprendisti provenienti dai Compagnons du Devoir o dal liceo degli Huisselets di Montbéliard. Questa volontà di formare la nuova generazione di artigiani ha valso all’Atelier Reverdie un riconoscimento internazionale attraverso il programma Homo Faber NextGen. 
Premiato nel 2024 dal Ministero della Cultura nell’ambito del bando Mode et Métiers d’Art, raccomandato dalla Homo Faber Guide e sostenuto dalla Fondazione EY, Pierre Roux continua oggi a sviluppare il suo laboratorio con la stessa convinzione: rendere i mestieri d’arte spazi di innovazione vivaci, capaci di coniugare eccellenza, sostenibilità e trasmissione. 

Léna Perraguin, designer tessile e tessitrice, si è laureata all’ENSCI-Les Ateliers di Parigi. Dopo aver maturato esperienza sia nel settore tessile artigianale che in quello industriale, nel 2018 ha fondato lo Studio Impressif.
Con sede ad Aurignac, ai piedi dei Pirenei, lo studio si dedica alla ricerca sui materiali, all’incrocio tra alta artigianalità, sperimentazione e fibre naturali. Qui, Léna Perraguin crea pezzi tessili su misura per marchi di lusso, interior designer e progetti artistici: elementi decorativi, tessuti per tappezzeria, divisori e testiere.
Il suo lavoro si basa esclusivamente su tecniche manuali di tessitura e intreccio a mano, che lei adatta e reinterpreta attingendo a competenze tradizionali come la vimini e la lavorazione del rattan. Il materiale è al centro del suo approccio, con particolare attenzione alle trame, ai volumi e alle qualità sensoriali delle fibre.
Impegnata in un approccio responsabile, privilegia i materiali naturali provenienti da filiere locali – in particolare lana, lino, canapa e paglia di segale – in collaborazione con piccoli produttori francesi. Questa ricerca nasce dal desiderio di valorizzare le competenze artigianali e ripensarne il ruolo nel design contemporaneo.
A cavallo tra tradizione e innovazione, i suoi pezzi esplorano un linguaggio tessile delicato, a volte arricchito da collaborazioni con il vetro soffiato, dando vita a composizioni in cui trasparenza, brillantezza e materia si intrecciano. 

Con sede a Lione, dove oggi vive e lavora, Marguerite Porche sviluppa una pratica ceramica al tempo stesso istintiva, sensibile e profondamente contemporanea. Nata nel 1990 a Tolone, sulle rive del Mediterraneo, inizialmente si era orientata verso una carriera nel diritto sanitario prima di cambiare radicalmente rotta verso l’artigianato, scegliendo di restituire un ruolo centrale al gesto, alla materia e al tempo che passa.
È nel 2020 che scopre la ceramica, una rivelazione che trasforma il suo rapporto con il lavoro e con il corpo. Completamente autodidatta, costruisce il suo apprendimento attraverso la sperimentazione e sviluppa un approccio intuitivo all’argilla, attenta alle sue reazioni fisiche e ai suoi equilibri intrinseci.
Nel corso del suo percorso presso gli atelier Leopon e poi Ter-ter, il suo universo si afferma. Stoviglie, oggetti da tavola, lampade o piccoli mobili: Marguerite Porche reinventa gli oggetti di uso quotidiano attraverso forme essenziali e delicate, esplorando senza sosta le possibilità offerte dalla materia.
Nel gennaio 2025 inaugura il suo laboratorio nel cuore di Lione, concepito come uno spazio di creazione, esposizione e trasmissione. Membro degli Ateliers d’Art de France, oggi porta avanti una ricerca rigorosa incentrata sulla precisione delle forme e sull’equilibrio tra funzionalità ed emozione.

Nata in Polonia nel 1981, Paulina Okurowska si è trasferita a Parigi nel 1996. Lì ha studiato arti applicate all'ENSAAMA Olivier de Serres e poi belle arti alla Sorbona, prima di stabilirsi a Nantes. 

Ha poi aderito all'Atelier 67 e agli Ateliers d’Art de France. Nel 2019 le è stata assegnata una borsa di studio dalla Fondation Banque Populaire, in particolare per il suo lavoro con l'ardesia. 

Ora vive nel Morbihan, dove ha sviluppato un percorso artistico incentrato sulla creazione di pezzi unici, sculture e installazioni murali. È rappresentata dalla Galleria Parigobrac a Laguiole e dalla Galleria Métamorphose a Marbella, in Spagna. 

Juliette Vivien, che proviene da una lunga stirpe di artisti e artigiani, si è avvicinata alla ceramica da bambina grazie a suo nonno, i cui attrezzi usa ancora oggi come simboli di una preziosa eredità. Dopo aver studiato all'ESAA Duperré di Parigi, dove si è avvicinata all'arte delle miniature, ha beneficiato della guida della scultrice Fanny Ferré e dell'influenza di Frédéric Mulatier, ceramista e intrecciatore di cesti, che l'ha indirizzata verso la creazione di opere monumentali parzialmente cotte in un forno a legna.

Nel 2018 ha fondato la sua piccola impresa, specializzandosi in creazioni di alta gamma. Dopo aver sviluppato una collezione di oggetti funzionali in porcellana noti per la loro delicatezza e le dimensioni ridotte, ora si dedica alla creazione di pezzi decorativi e funzionali d'eccezione per una clientela esigente che comprende interior designer, gallerie e marchi di lusso.

Designer di accessori da oltre ventitré anni, Charlotte Sauvat ha costruito la sua carriera nell’esigente mondo della moda e del lusso. Laureata all’ENSAAMA di Parigi, ha collaborato con diverse case di moda di fama, tra cui Lanvin, Balmain e Isabel Marant, sviluppando una profonda competenza nel disegno, nei materiali e nei volumi.

Diversi anni fa, la ceramica si è affermata come una naturale estensione del suo percorso creativo. Da autodidatta, si è progressivamente dedicata alla tornitura e alla decorazione con l'ingobbio, esplorando un linguaggio plastico basato sulla semplicità delle forme, sul ritmo delle linee e sulla ricerca dell'equilibrio.

Al centro del suo lavoro, il rapporto tra gesto e volume occupa un posto centrale. La decorazione non viene ad adornare l'oggetto a posteriori: emerge dalla sua stessa struttura, ne accompagna le curve e contribuisce pienamente alla sua interpretazione. I tratti realizzati con l'engobe sottolineano i movimenti della forma, ne rivelano le tensioni o ne modificano sottilmente la percezione.

Dal suo laboratorio in Borgogna, Charlotte Sauvat realizza soprattutto oggetti di uso quotidiano in gres di Puisaye e porcellana, in cui traspaiono il suo gusto per le linee essenziali e l’attenzione per la vita di tutti i giorni.

Da cinque anni condivide inoltre la sua esperienza con studenti e professionisti attraverso corsi e formazioni tenuti in diverse scuole di design. Il suo approccio didattico privilegia l'osservazione, la sperimentazione e la comprensione dei volumi, incoraggiando al contempo lo sviluppo di uno stile personale.

Nel mondo del design contemporaneo e dell'artigianato, Jean-Baptiste Dubois si è costruito, nel corso di poco più di vent'anni, un percorso che unisce la ricerca sui materiali, la progettazione tecnica e la cultura del laboratorio. Un tema centrale è emerso fin dall'inizio: il bambù, non solo come materia prima, ma come terreno di sperimentazione all'incrocio tra ecologia, tecnologia e creatività.

Il suo percorso professionale, però, non è stato affatto lineare. Dopo aver studiato management e marketing alla EDHEC Business School, seguiti da relazioni interculturali e sviluppo all’Università di Lille 3, ha completato la sua formazione con un anno all’estero a Bangkok. Fin da giovane, l’ambito internazionale si è rivelato uno spazio in cui imparare e acquisire una prospettiva più ampia. Il Sud-Est asiatico è diventato addirittura un luogo di immersione prolungata, in particolare nei primi anni 2000, quando ha vissuto tra la popolazione di etnia Karen in Thailandia. Lì ha scoperto i gesti, le usanze e la logica vernacolare del bambù.

Ma è stata un'immagine successiva a segnare una svolta: una tettoia di bambù avvistata in un'installazione di land art sul tetto del MoMA di New York. Da quel momento, il materiale ha smesso di essere solo oggetto di studi etnografici o artigianali; è diventato una possibilità architettonica e uno spazio per l'innovazione.

Nel 2015 ha fondato lo studio Déambulons. Per quasi nove anni ne è stato il direttore e ha creato un team di circa quindici persone. Lo studio è specializzato in doghe di bambù francese e ha costruito un solido portfolio: oltre 850 studi di progetto, di cui più di 200 realizzati in Francia e all’estero. Dall’arredamento alla scenografia, passando per installazioni su misura, l’approccio dello studio ha conquistato architetti, paesaggisti e scenografi, affermandolo gradualmente come leader discreto ma riconosciuto nel campo del design che utilizza materiali bio-based.

Questa competenza gli è valsa diversi riconoscimenti, tra cui premi conferiti dall’Institut Français du Design e dal French Design 100. Oggi, però, Jean-Baptiste Dubois ha cambiato orientamento nel suo lavoro. Con sede a Lione, ora si dedica alla consulenza e alla formazione, fornendo supporto a progetti specializzati nella progettazione di strutture in bambù.

Il suo ruolo si è evoluto: oggi è meno un creatore di oggetti e più un facilitatore di metodi ed esperienze. In linea con questo cambiamento, è anche coinvolto nel progetto «60'000 Rebonds», proseguendo un percorso in cui l'apprendimento, la resilienza e la condivisione delle conoscenze sono al centro dell'attenzione.

Durante questo percorso, che ci ha portato avanti e indietro tra il campo e la strategia, tra l'Asia e l'Europa, e tra lo studio e l'ingegneria, una consapevolezza è rimasta costante: quella di un materiale vivo – il bambù – capace di unire mondi che sembravano distanti anni luce.

Dopo aver studiato arti e mestieri e aver conseguito lauree in design ceramico e scultura in metallo, Elie Hirsch si è specializzato nella realizzazione di opere di grandi dimensioni sotto la guida del fabbro Hervé Wahlen, nel cui studio ha lavorato per due anni. Questa esperienza formativa è alla base di un approccio artistico in cui il metallo viene trattato come un materiale malleabile, quasi organico.

Il suo lavoro esplora le forme in movimento: spirali, nastri attorcigliati, linee continue che sembrano dispiegarsi all’infinito. Realizzate con un unico tratto, le sue sculture evocano sia il movimento del corpo che la fluidità del tessuto. Che siano appoggiate su una superficie o sospese, mantengono una leggera oscillazione, come se il materiale non avesse ancora completamente fermato il suo slancio. La martellatura rivela una superficie sensibile e consumata, che porta le tracce del tocco dell'artigiano.

Oltre al suo lavoro scultoreo, Elie Hirsch ha sviluppato una pratica nel campo della gioielleria che influenza la sua ricerca visiva. Questo gioco tra dimensioni intime e formati monumentali caratterizza il suo intero approccio artistico, creando una continuità senza soluzione di continuità tra ornamento, volume e movimento. Il suo linguaggio formale si estende anche alla moda. Collabora con case di moda come Balmain, per cui crea pezzi indossati in particolare da Beyoncé, e con Schiaparelli, partecipando a progetti in cui il metallo viene trattato come un tessuto scolpito. Questo approccio amplia l’esplorazione della porosità tra abbigliamento e scultura.

Vincitore del concorso per giovani stilisti degli Ateliers d’Art de France nel 2007, oggi espone in tutto il mondo, da Parigi a New York, da Londra a Seul e a Firenze. Una collaborazione di rilievo con Loewe ha recentemente rafforzato questa dimensione ibrida: alla Settimana della Moda di Parigi sono stati presentati capi realizzati in rame martellato e peltro, concepiti come indumenti. Progettati utilizzando motivi tessili e poi interamente realizzati a mano, incarnano un’ambizione comune: trasformare la rigidità del metallo in movimento, fluidità, quasi come un respiro.

Fin da bambina, Regina Dejiménez ha avuto un legame istintivo con i tessuti. Avvicinata a questo mestiere fin da piccola da sua madre, stilista e sarta, ha imparato a lavorare con i tessuti, ha imparato alla perfezione le tecniche di cucito e ha sviluppato un grande amore per i materiali e l'arte artigianale. Questa formazione di base l'ha resa una delle figure di spicco della scena contemporanea, fondendo arte tessile, artigianato e scultura.

Dopo aver studiato belle arti all'Università di Barcellona, con una specializzazione in scultura e tessuti, Regina Dejiménez ha sviluppato un percorso artistico che si colloca all'incrocio tra diverse discipline. La sua ricerca la porta ben oltre gli studi accademici: i viaggi giocano un ruolo fondamentale nel suo percorso creativo. Grazie a diverse borse di studio per scambi culturali, ha viaggiato in varie regioni e ha arricchito il suo approccio entrando in contatto con l'artigianato locale. In Cile ha studiato la filatura e la tessitura mapuche; in un villaggio delle Asturie, dove ha vissuto per tre anni, ha imparato dalle donne del posto le tecniche tradizionali del ricamo traforato e del lavoro a maglia. Queste esperienze ispirano un corpus di opere profondamente radicato nella memoria dei gesti e nella trasmissione del sapere.

Dal 2005, l'artista sviluppa uno stile tessile distintivo che fonde tecniche artigianali tradizionali con la sperimentazione contemporanea. L'uncinetto, la tessitura, la scultura, la filatura e il lavoro tridimensionale si fondono in opere caratterizzate da trame organiche, spesso realizzate con materiali naturali o riciclati. Per Regina Dejiménez, i tessuti vanno ben oltre il semplice ambito decorativo. Il suo lavoro è guidato dal fascino per i fenomeni naturali e dalle trasformazioni della materia nei suoi vari stati: solido, liquido e gassoso. Esplora le connessioni tra micro e macro, i legami invisibili che uniscono gli elementi e il modo in cui la materia si trasforma costantemente. Le sue opere, al tempo stesso scultoree e delicate, esplorano la memoria, il corpo, il tempo e lo spazio attraverso trame avvolgenti e composizioni tattili.

Questa ricerca si concretizza in installazioni site-specific pensate per interagire con l'architettura e alterare la percezione dello spazio. Nel 2020 ha portato a termine il suo primo grande progetto con la realizzazione di sette pannelli intrecciati in corda per il NOBU Hotel di Barcellona, in collaborazione con il Rockwell Group. Da allora, ha intrapreso numerosi progetti per hotel, spazi abitativi e case di moda, collaborando in particolare con il gruppo Adolfo Domínguez, lo Zambra Hotel a Malaga e l'AYSLA Kingston Hotel a Maiorca.

Il suo lavoro, al tempo stesso organico e sperimentale, le ha fatto guadagnare un crescente riconoscimento sulla scena internazionale. Vincitrice del Premio Nuevos Entornos Creativos al Madrid Design Festival e di Amazon 2024, oltre che del Premio di Artigianato d’Avanguardia della Comunità Valenciana nel 2023, è stata anche finalista ai Premi Nazionali Spagnoli di Artigianato. Nel 2023, il suo lavoro è stato presentato alla Biennale di Cheongju in Corea del Sud nella mostra *Soul and Matter*, curata da Rubén Torres.

Artista, artigiana e insegnante, condivide la sua arte dal 2012. Regina Dejiménez crea opere che uniscono tradizione e modernità, artigianato e architettura, materia e percezione. Attraverso le sue creazioni, cerca soprattutto di aprire nuovi orizzonti all'immaginazione sensoriale.

Foto: © Natalia Vazquez

Con sede a Eindhoven, nei Paesi Bassi, Rino Claessens fa parte di una nuova generazione di designer per i quali il processo di produzione funge da vero e proprio laboratorio di ricerca. Laureato alla Design Academy Eindhoven, ha sviluppato un approccio radicato nella sperimentazione dei materiali e nell'attenta osservazione di come questi si trasformano.

Al centro del suo lavoro, lo studio diventa un laboratorio dove la sperimentazione, la manipolazione e le innovazioni tecniche alimentano il processo creativo. Esplorando le interazioni tra materiali, artigianato e funzionalità, analizza come i processi di produzione influenzino la forma e il significato degli oggetti.

A cavallo tra design contemporaneo e artigianato, Rino Claessens utilizza una vasta gamma di tecniche, dalla fusione e intaglio all'incisione e al trattamento delle superfici. Questo approccio unico gli ha valso un riconoscimento internazionale e le sue opere sono state inserite nella collezione permanente del Vitra Design Museum.

Con una formazione in architettura d’interni, Sophie Vaidie ha costruito una ricca carriera professionale lavorando presso studi di architettura e design in Francia e all’estero. Dopo aver iniziato la sua carriera presso lo studio di architettura Olivier Gibault, ha collaborato con studi e aziende di fama come Marc Hertrich Studio, Jacques Garcia, NKB Architecture ad Hanoi, Bellat & Associés Architectes, Dépiepape Design, Archimage e Charles Zana Architecture. Questa esperienza le ha permesso di sviluppare una comprensione precisa dei volumi, degli spazi e dei vincoli progettuali.

Nel 2011–2012, ha deciso di mettere in pausa la sua carriera per partire per un viaggio di un anno in Cina e Corea, dedicato interamente all’apprendimento delle tecniche ceramiche. Questa esperienza totalizzante ha segnato una svolta nella sua carriera e ha dato il via al suo passaggio alla ceramica.

Da allora, Sophie Vaidie ha sviluppato un percorso artistico incentrato sulla ricerca dell’equilibrio formale e delle proporzioni precise. Il suo lavoro esplora i rapporti tra curve e linee, oltre al dialogo tra la forma e lo spazio che essa crea. Ogni opera fa parte di una riflessione sull’armonia dei volumi e sulla precisione dei dettagli, elementi fondamentali del suo linguaggio visivo.

Più di recente, ha integrato nella sua pratica artistica un processo di taglio e ricomposizione. Frammentando e poi ricomponendo le sue forme, apre la strada a una serie di variazioni che offrono nuovi modi di interpretare le sue opere e arricchiscono la sua esplorazione della struttura e della trasformazione dei materiali.

Sophie Vaidie crea oggetti che spaziano dalle ciotole ai piccoli mobili e alle lampade. Lavora principalmente con il gres, utilizzando tecniche come la modellatura a spirale o a pizzicotto. Le sue creazioni vengono cotte in un forno elettrico, anche se ricorre regolarmente anche alla cottura a legna. Alcuni pezzi vengono lasciati allo stato grezzo, mentre altri vengono smaltati con smalti da lei stessa sviluppati o con formulazioni disponibili in commercio, contribuendo così alla varietà di texture e finiture.

Vincent Turner è un tornitore del legno. Quando ha scoperto questo mestiere, ha deciso subito di farne la sua professione, intraprendendo un percorso professionale incentrato sulla precisione, l’osservazione e il lavoro manuale.
Ha iniziato la sua carriera come geometra. Questa esperienza formativa gli ha permesso di sviluppare un occhio preciso per lo spazio, il volume e le proporzioni, oltre a un acuto senso del dettaglio e della visualizzazione spaziale. Queste competenze costituiscono ora una base essenziale per il suo approccio alla tornitura del legno.

In seguito ha rivolto la sua attenzione alle attività legate agli esseri viventi, dedicandosi in particolare alla coltivazione di piante medicinali al fianco di un erborista e, più tardi, alla creazione e alla cura di un grande orto di erbe aromatiche nell’ambito di un progetto artigianale legato alla gastronomia. Queste esperienze hanno favorito un rapporto più sensibile con la materia, i cicli naturali e le trasformazioni degli esseri viventi.

Ha poi seguito una formazione come conciatetti e falegname, scoprendo le tecniche edilizie tradizionali e rafforzando il suo legame con l’artigianato tecnico e i materiali.
Parallelamente a queste attività, Vincent Turner disegna regolarmente fin dall’infanzia. Realizza schizzi di figure, forme e ritratti: una pratica che approfondisce la sua comprensione del volume e continua a ispirare il suo lavoro creativo ancora oggi.

Musicista da oltre vent'anni, suona la chitarra sia in una band che come solista, e ha anche trasmesso le sue conoscenze attraverso lezioni per principianti. Questa esperienza nell'insegnamento riflette un interesse duraturo nel trasmettere e condividere le sue competenze.

La sua scoperta della tornitura del legno ha segnato una svolta decisiva. Questo mestiere gli ha permesso di unire tutte le sue esperienze: la precisione tecnica acquisita nei mestieri della misurazione, la sensibilità sviluppata grazie al suo legame con gli esseri viventi e la sua passione per i movimenti precisi. Ora si dedica completamente a questa attività, sviluppando un approccio in cui l’attenzione ai dettagli e la precisione dei movimenti sono al centro di tutto.

Da quasi venticinque anni, Rozenn Alapetite porta avanti un percorso artistico unico, a cavallo tra mosaico, scultura e materiali. Dopo aver conseguito il diploma di maturità artistica, si è formata nell’arte del mosaico, muovendo i primi passi con progetti di decorazione di pavimenti e pareti, prima di dedicarsi alla creazione di oggetti d’arte e poi alla propria attività in studio. Fin dall’inizio ha fatto propria questa antica forma d’arte per spingerne i confini e sviluppare un proprio linguaggio visivo.

Al centro del suo approccio interagiscono tre materiali: il vetro, il cemento e, più di recente, l’ardesia tagliata. Attingendo agli strumenti e alle tecniche dell’arte tradizionale del mosaico, Rozenn Alapetite inverte gradualmente le proporzioni: il cemento, inizialmente solo un materiale di finitura, diventa un elemento centrale della composizione, mentre il vetro viene ora utilizzato con piccoli tocchi per catturare la luce e far brillare la superficie. Le sue opere nascono da questa tensione tra opaco e lucido, tra la ruvidità minerale del cemento e la brillantezza del vetro.

Nel suo studio, dipinti, sculture e composizioni murali prendono forma attraverso un meticoloso processo di assemblaggio, intaglio, stratificazione e intarsio. Ogni opera esplora le possibilità offerte dal rilievo, dalla texture e dalla luce. Lo sguardo dello spettatore non rimane mai fisso: man mano che ti muovi, la superficie si anima, i riflessi si spostano e i contrasti cambiano. Una sottile vibrazione pervade quindi l’opera, come se il materiale rispondesse alla presenza di chi la osserva.

Negli ultimi anni, l’ardesia ha arricchito questo mondo. Questo materiale, legato anche alla storia dell’arte del mosaico, conferisce alle sue ultime collezioni un tocco più naturale. Rozenn Alapetite evoca i movimenti lenti e potenti delle placche tettoniche, messi in risalto dall’uso di un pigmento di ossido nero che accentua gli effetti della roccia, delle faglie e degli spostamenti.

L'artista, le cui opere sono state esposte in numerose fiere d'arte e gallerie, condivide la sua esperienza anche attraverso corsi tenuti presso scuole di arti applicate. Il suo lavoro segue così un duplice percorso: quello di un'esplorazione artistica in continua evoluzione e quello di un impegno nei confronti dei materiali, della loro storia e del loro potere di trasformazione attraverso la luce.

https://www.rozennalapetite.com

Blandine Hamon è un’artigiana specializzata nella lavorazione della lacca, un mestiere impegnativo che unisce abilità tecnica, pazienza e sensibilità artistica. Dopo aver studiato arti applicate, si è formata nell’arte della lacca all’École Olivier de Serres di Parigi, per poi proseguire il suo apprendistato in Giappone presso l’Università delle Arti di Kyoto. Questa esperienza immersiva le ha permesso di approfondire la conoscenza dell’urushi, la tradizionale lacca giapponese a base vegetale, e di sviluppare un approccio che unisce l’artigianato ancestrale alla creazione contemporanea.

Al suo ritorno in Francia nel 2017, ha ampliato la sua attività presso HB Laque, dove utilizza questo materiale unico per creare opere e superfici dalle qualità profonde e luminose. La sua carriera riflette l’impegno a tramandare e promuovere le arti e i mestieri, oltre a una costante esplorazione dei materiali, del tempo e del processo artigianale.